Елена — фигуративная художница, пишущая исключительно с натуры; она считает, что художник — это человек, через которого природа диктует искусству свои законы. Ее вдохновляют такие мастера, как Илья Репин, Валентин Серов, Николай Фешин, Джон Сингер Сарджент, Андерс Цорн и Хоакин Соролья.

Работы Елены выставлялись в Италии, Великобритании, США, Румынии, Монако, России и Молдове. В 2019 году она получила премию Philip de Laszlo на международной выставке в Mall Galleries в Лондоне, а в 2022 году — первую премию на международной выставке в Salmagundi Club в Нью-Йорке. В 2022 году художница стала участницей закрытого клуба художников Salmagundi Club в Нью-Йорке, который был основан еще в 1871 году. Salmagundi Club — центр изобразительного искусства, художников и коллекционеров, а также художественных выставок, арт-классов, арт-аукционов и многих других мероприятий искусства.

«Особенно я запомнила мою вторую выставку в Salmagundi Club от этого клуба. Я прилетела с пятью работами, картины свернула в рулоны, рамы привезла частями. День до выставки я провела за тем, что натягивала картины на подрамники и собирала работы для выставки. И вдруг уже там узнала, что это не просто выставка, а выставка-конкурс. Какова же была моя радость, когда, через несколько дней, гуляя по Нью-Йорку, я получила е-майл, в котором меня поздравляли с первым местом на этом конкурсе», — Елена Брия в интервью Павлу Зингану.

Одна из важнейших картин Елены Брия — дипломная работа «Коронация короля Фердинанда и королевы Марии. 1922». Картина выполнена в технике масло на холсте, размером 295 x 383 см и была написана в 2018 году. В 2022 году картина была выставлена в Бухаресте в рамках персональной выставки «New Academia» в галерее Kulterra. С 15 октября 2022 года до конца 2023 года полотно экспонировалось в Алба-Юлии, в Музее объединения, в Зале объединения — месте, где проходила коронация.

Ее картины находятся в многочисленных частных коллекциях по всему миру. А работу «Три музы» выбрали для отправки на Луну в 2024 году в рамках проекта The Lunar Codex. В специальную капсулу собираются в цифровом формате различные произведения искусства, чтобы затем отправить их на Луну.

Instagram художницы

Запись Local Artist: Елена Брия — фигуративная художница и участница Salmagundi Club, центра изобразительного искусства Нью-Йорка впервые появилась Locals.

Буев родился в Оренбурге, а в 1971 году вместе с семьей переехал в Кишинев, поближе к материнской родне. Художественное образование получил в Краснодаре, окончив факультет художественной графики Кубанского государственного университета, а затем прошел обучение на курсах в Московском полиграфическом институте.

Профессиональный путь начал в 1979 году в издательстве «Штиинца» в должности художественного редактора. Уже через год он получил диплом второй степени на республиканском конкурсе книжного дизайна. Позже работал в издательстве «Картя Молдовеняскэ», где за более чем десять лет проиллюстрировал свыше 300 книг и брошюр.

С начала 1990-х Буев стал свободным художником. Первые работы в живописи были реалистическими пейзажами. Его первая крупная зарубежная выставка прошла в Нидерландах в 2001 году, однако именно там художник понял, что классический реализм не вызывает интереса у западной аудитории. Этот опыт стал переломным: Буев отказался от привычной манеры и начал искать собственный художественный язык.

Под влиянием литературы — от Эжена Ионеско и Франца Кафки до Владимира Сорокина — он обратился к более сложным и образным формам. По совету одного американца начал активно работать в направлении сюрреализма. Его произведения нельзя назвать абстрактными: они рождаются из подсознания, но остаются технически точными и глубоко укорененными в реальности. Через искажение и метафору художник исследует темные стороны человеческой природы — войну, коррупцию, внутренние конфликты — избегая прямолинейной публицистики и оставляя пространство для интерпретации.

Для художника — это способы мышления, позволяющие исследовать то, что раньше считалось непостижимым, и создавать искусство, которое вызывает вопросы, удивляет, остается в памяти.

Международное признание не заставило себя ждать. Буева стали приглашать зарубежные галереи, он проводил по одной-две персональные выставки в год, участвовал в коллективных проектах и арт-резиденциях. В интервью изданию Молдавские ведомости Буев вспомнил, что в одной немецкой газете его даже назвали «молдавским Дали». В 2007 году художник получил грант немецкого правительства и работал в резиденции в Лейпциге, где ему предоставили мастерскую. За два десятилетия он семь раз становился участником международных резиденций, в том числе однажды — как литератор. Он является членом Association Internationale des Arts Plastiques.

Помимо живописи, Буев работает в литературе. В 2006 году вышел его сборник стихов «Жила-была синкопа», который проиллюстрировал собственными картинами, а в 2012-м — графическая новелла «Слоноблудие», сочетающая авторские тексты и иллюстрации.

Instagram художника

Источники: Logos Pres, Livelib, Surrealism Today
Фото: valeriubuev8/Instagram

Запись Local Artist: Валерий Буев — «молдавский Дали» впервые появилась Locals.

Вера Головатая — хендмейд мастер из Кишинева и работает в самых разных техниках: от скрапбукинга и картонажа до миниатюр. Под именем Mini Magic Lab она создает миниатюрные композиции — копии домов и комнат по фотографиям, а также сцены и локации из фильмов, книг и игр.

«Миниатюрой я занимаюсь уже почти два года. Моя цель — создавать композиции, которые вызывают удивление и пробуждают внутреннего ребенка. Хочется, чтобы человек не мог отвести взгляд, чтобы он погружался в атмосферу миниатюры или в собственные воспоминания, в зависимости от того, что перед ним. Людей всегда притягивает все маленькое, наверное, в миниатюрах есть ощущение уюта, защищенности. Они позволяют заглянуть в крошечный мир, который кажется безопасным, теплым и живым», — рассказывает Вера.

К такому необычному делу Веру привела ее детская любовь к кукольным домикам и крошечной мебели, которую она сама же и мастерила. Но заняться мини-мирами профессионально ее подтолкнула идея сделать подарок для лучшей подруги на день рождения — миниатюрную копию комнаты из родительского дома. Это была ее первая серьезная работа, после которой Вера уже не смогла остановиться.

Создание одного «мира» может занять один день, три дня или даже месяц — зависит от масштаба и уровня детализации.

«Работа всегда начинается с идеи. Сначала в голове появляется образ — яркая картинка, которую хочется воплотить в реальности. Даже если миниатюра основана на фильме, книге или какой-то вселенной, в воображении все равно рождается свой, особенный вариант, за который хочется зацепиться и реализовать его. Процесс очень кропотливый и требует концентрации, терпения и времени».

В работе мастерица использует самый разный набор материалов и техник: картон, полимерную глину, папье-маше, эпоксидную смолу, лазер и фрезер, 3D-печать, а также шьет, вырезает макетным ножом и применяет в работе подручные материалы, вроде бусин, акрила и деревянных палочек от мороженого.

«Самое сложное для меня было осваивать новые техники. Иногда бывает сложно находить решения для мелких деталей, когда не сразу понятно, из чего и как их лучше сделать. Бывает, что результат не совпадает с образом в голове, и приходится все переделывать. В такие моменты сложнее всего набраться терпения и начать сначала».

Источников вдохновения у Веры много: кино, сериалы, книги и видеоигры. Часто она выбирает тему, исходя из собственных интересов, иногда ориентируется на сезонность. Например, вселенная «Гарри Поттера» для нее всегда особенная, а в период зимних праздников она делала миниатюры по фильмам «Один дома» и «Рождественская история». Но нередко тема определяется напрямую заказчиком.

«Самой значимой и сложной работой для меня был дом по фотографиям, который я делала в прошлом году. Это была очень объемная работа с максимальной детализацией. Особое внимание требовалось к каждой детали, так как это был родительский дом заказчика, к которому он очень трепетно относился. Работа заняла больше месяца: я воссоздавала не только фасад, но и двор, огород, все полностью. И я, и заказчик остались очень довольны, а эффект от подарка превзошел все ожидания. Поэтому этот проект отложился в моей памяти».

При создании каждой миниатюры Вере одинаково важны реалистичность и атмосфера. Она отмечает, что «детализация позволяет максимально точно передать сцену, чтобы зрителю хотелось рассматривать работу долго и внимательно». А атмосфера позволяет погрузиться в этот самый мир, поэтому одно без другого не может работать: «Реалистичность делает работу убедительной, а настроение — живой и трогающей», — заключает мастерица.

В своих работах Вера оставляет и пасхалки, связанные с сюжетом: картинку за окном, портрет на стене, приведение, выглядывающее из-за угла, или дверь, ведущую в подземелье. Все то, что может сподвигнуть разглядывать работу часами.

«В миниатюрных мирах привлекают детали. Они удивляют, позволяют воображению разыграться и погрузиться в другой мир. Такие композиции пробуждают эмоции и чувства: у меня в процессе создания, у — покупателей, когда они рассматривают работу. Наверное, именно это сочетание удивления, погружения и эмоционального отклика делает миниатюры такими привлекательными».

Вера работает на заказ, но есть «миры» из стока, которые она делала по собственному желанию. Она уже давно мечтает создать миниатюрный готический особняк или замок, но так как работа требует много времени и внимания к деталям, пока не решается за нее браться.

Цена зависит от количества деталей, используемых материалов и затраченного времени. Маленькие диорамки могут стоить около 400–500 леев, а более крупные и детализированные работы, особенно выполненные по индивидуальному заказу с множеством пожеланий клиента, могут достигать нескольких тысяч леев.

@minimagiclab Мой особенный букнук из мира Гарри Поттера . Он получился именно таким как я его задумывала и это прекрасно #букнук #гаррипоттер #поттероманы #миниатюра #творчество #вдохновение #harrypotter #potterhead #hogwarts #harrypottercrafts #miniature #booknook #tiny #art #fyp #pov ♬ Hedwig's Theme (Harry Potter Prologue) - JJ Reinhold

Посмотреть прошлые работы Веры можно в ее Instagram и TikTok, и там же следить за ее планами, которые она уже строит на новый год.

«Планирую совершенствовать свое мастерство, осваивать новые техники, развивать свои соцсети и каналы — TikTok и Instagram. Выходить на более широкую аудиторию и, возможно, запустить мастер-классы. Новый год — новые творческие проекты, новые вершины».

Запись Мастерица из Молдовы создает миниатюрные копии домов и сцен из фильмов впервые появилась Locals.

Работы художника выставляются в музеях, художественных лицеях, библиотеках и на городских фестивалях. Но это сухие факты. Они не объясняют, как человек, много лет служивший в силовых структурах, стал теологом и художником, который создает на холсте миры, где ангелы, люди, музыкальные инструменты и песочные часы складываются в один большой пазл его жизни.

Locals.md поговорил с Василием Чурарем, чтобы понять, как в одном человеке уживаются силовик, теолог и художник.

Все началось вон с того ангела! Это была моя первая осознанная работа. Я верю, что у каждого человека есть свой ангел, который влияет и даже определяет многие события в жизни. Ангелы — частые герои моих картин. Они соединяют разрозненные фрагменты моего пути в единое целое. Эти фрагменты — будто несущие конструкции здания жизни. Через картины я пытаюсь собрать их в единый пазл.

Сколько себя помню, меня всегда тянуло рисовать. Мама это заметила и отдала меня в художественную школу в Оргееве. Днем — обычные уроки, три раза в неделю — мольберт и краски. Тогда и появилась эта двойная сплошная моей жизненной траектории. Я художник и я же серьезный парень, штудирующий точные науки. Честно говоря, я все еще в пути и все еще познаю себя.

Детство у меня связано с Оргеевым и грибами. Мы жили рядом с лесом и часто ходили туда за ними. Поэтому, когда в моих работах появляются грибы, это всегда из детства.  Иногда я просто рисую и вдруг понимаю, что здесь обязательно должны быть грибы.

С распадом Союза поблекли и мои мечты об искусстве. Казалось, ну какие перспективы у художника. Да и взрослые убеждали, что на картинах не заработаешь. В общем, поступил в серьезный политех в Кишиневе — на автотранспорт. Выучился, устроился в центральный гараж МВД. Работал неплохо и быстро стал начальником. Но жизнь снова повернула в другую сторону.

Знакомый поступал в полицейскую академию и уговорил меня подать документы с ним заодно. Так закончилась, едва начавшись, моя карьера в автотранспорте. Я поступил в академию и получил второе высшее — юридическое. Устроился в полицию. Работа нравилась, карьера снова пошла в гору. Однако служба в правоохранительных органах — это постоянное напряжение, строгая дисциплина и бесконечное изучение законов. В какой-то момент я понял, что меня снова тянет к творчеству. Как-то я взял кисти и карандаши, чтобы просто расслабиться, и втянулся.

Днем я был полицейским, вечером писал картины. Сначала пытался копировать известных художников, но быстро понял, что это не мое. Тогда начал экспериментировать с графикой. Это оказалось увлекательно — и я продолжил. Служба занимала все время, но рутина начала отступать. Я знал, что вечером меня ждет мир, который я создаю сам при помощи плавных, прямых и иногда несуразных линий, из которых рождается целая вселенная моей души.

Мои главные цвета — черный и белый. В них удивительно много оттенков! Чаще рисую карандашами. Иногда понимаю, что для акцента или важной детали нужен яркий цвет. Но черно-белая гамма для меня все равно основа.

Вот, например, моя картина, на ней изображены книга и лампочка. Все вроде просто: учение — свет. Но книга олицетворяет мою жизнь. Я читаю ее как бы со стороны. Маленькие человечки вокруг — мои мысли. Они лезут внутрь текста, копаются в строках, возвращаются к прошлым страницам, ищут смысл там, где он уже, казалось бы, был найден.

Музыка — это язык, на котором вселенная говорит с человеком. А мелодии, которые люди записывают в ноты, будто сохраняют этот разговор — передают его дальше, из поколения в поколение. Поэтому в моих картинах часто появляются музыкальные инструменты. Я много слушаю классику и иногда сама подбираю соло на гитаре. И каждый раз убеждаюсь: вселенная говорит с нами всегда — стоит только прислушаться.

Когда пишу картину, то буквально живу в ней. Это не метафора. Каждый элемент появляется через личное переживание сюжета. Вот, например, картина с песочными часами. Говорят, они похожи на сердце. А два белых шара внутри появились спонтанно. Когда работа была почти готова, я вдруг почувствовал, что мне не хватает в ней воздуха. Добавил эти два шара — и в картине появился кислород.

В картине, как и в кино, художник не всегда знает финал. Сюжеты приходят сами — будто всплывают из глубины сознания. Сначала делаю пару набросков, фотографирую их на телефон. Потом пересматриваю по дороге на работу, во время обеда, на прогулке. Линии еще расплывчатые, но в какой-то момент проступает новая деталь, интрига, поворот. Так картина постепенно обрастает смыслами.

Мои картины иногда сравнивают с работами голландского художника Маурица Корнелеса Эшера. Хотя о нем я узнала уже тогда, когда у меня была своя коллекция работ. Эшер изображал фигуры так, будто они существуют в трехмерном пространстве, оставаясь при этом на плоскости. Возможно, сходство и есть. Пусть те, кто приходит на мои выставки, сами решают и ищут собственные смыслы

Мама узнала, что я вернулся к искусству, из новостей. По телевизору показали сюжет о моей выставке, которую организовали прямо в фойе Молдавской телерадиокомпании. Она, конечно, обрадовалась. Брат сначала присматривался, а теперь не пропускает ни одной моей выставки.

В мире искусства жесткая конкуренция. Поэтому я туда особенно не стремлюсь. Новичков часто критикуют лишь за то, что они делают что-то неформатное. Возможно, это страх, что они могут затмить именитых мастеров. Такая реальность — впрочем, едва ли это новость

Художественные галереи тоже нередко смотрят на новичков с недоверием. А если и обращают внимание, то часто на первом месте оказывается желание заработать. В этом нет ничего плохого, но мне ближе те площадки, где интересуются новым — художественным, а не только финансовым

Персональные выставки — момент, когда работы художника становятся интересны не только ему, но и людям вокруг. Мои картины выставлялись в «Телерадио-Молдова», в «Национальной библиотеке», а также на различных фестивалях в Молдове. Последняя выставка прошла в лицее творчества и изобретательности «Прометей–Прим». Общение с юными художниками, которые смотрят на мои работы нестандартным взглядом и задают необычные вопросы, запало в душу. Они учатся у меня, а я — чему-то у них.

Для многих я по привычке полицейский. Из-за этого не сразу верят, что я еще и рисую. А потом — выставка, и отношение меняется: люди словно заново меня открывают. Часто спрашивают, о чем мои работы, но еще чаще находят в них собственные смыслы. И когда в картине оказывается больше, чем я сам туда вложил, понимаешь, что все не зря.

Я руковожу службой безопасности в одном из торговых центров Кишинева — не самая очевидная должность для художника. Из силовых структур я, по сути, никогда не уходил. У этой работы тоже много плюсов: она приучает к дисциплине, порядку и ответственности — к себе и к другим. И все же внутри я больше чувствую себя художником, чем силовиком.

Я еще и теолог. Могу работать священником если сложатся обстоятельства. Недавно окончил магистратуру Кишиневской духовной академии. Но шел туда не за этим — хотел глубже понять Священное Писание и приблизиться к Богу. Это обучение стало для меня важным опытом и помогло духовно вырасти. Недавно побывал в паломничестве на Афоне — это было сильное переживание, которое я до сих пор ношу в себе.

Я не верю в искусственный интеллект в искусстве. Он может копировать, подражать, выполнять команды. Но творчество держится на живых эмоциях, а они недоступны машинам. Хотя кто знает — возможно, однажды все изменится.

Что в моем творчестве молдавского? Да все. Дороги, леса, грибы, паутина, ангелы, люди — это и есть моя Молдова. Мой дом, моя родина, мое место силы. Все, что я рисую, так или иначе родом отсюда.

  Галия Ибрагимова

Запись «Для многих я полицейский, но все же больше я художник». Василий Чурарь — молдавский художник с прошлым силовика впервые появилась Locals.

Полицейская Марина Йордаки

Про историю Марины Йордаки мы рассказывали в рамках проекта [НЕ] Женская работа. Марина многократная обладательница национальных чемпионских званий, двукратная абсолютная чемпионка Республики Молдова, трехкратная чемпионка Европы, трехкратная вице-чемпионка мира и чемпионка мира по армрестлингу. В своей «неспортивной» жизни Марина работает в Национальном инспекторате общественной безопасности, старшим офицером в отделе обеспечения общественного правопорядка. И все эти звания, а вместе с ними и колоссальный жизненный опыт, Марина заработала к тридцати годам.

Читать

Военная Клаудия-Андрея Маху

Второй эпизод проекта [НЕ] Женская работа. Клаудия-Андрея Маху солдат молдавской армии. В детстве Клаудия мечтала стать врачом, но мама сказала, что не видит дочь в медицинской сфере и ей лучше подойдет работа в армии. После семейного совета было принято решение начать с Академии полиции.

Читать

Пожарная Андрея Аксенти

Третий и заключительный эпизод проекта [НЕ] Женская работа. Андрея Аксенти сержант Генерального инспектората по чрезвычайным ситуациям. С утра и до вечера она сотрудница Регионального поисково-спасательного отряда № 1 ГИЧС МВД. А после пяти — преподаватель карате в спортивном клубе «Dojo Kun». В оставшееся свободное время Андрея ещё и учится на заочном отделении в двух университетах. А когда выдается возможность — участвует в забегах.

Читать

Артур Ходырев

В конце июля житель Молдовы Артур Ходырев поставил себе цель – обойти всю страну по периметру пешком. На момент общения с Locals, 3 августа, Артур в странствии был уже неделю. А свой поход он завершил к концу сентября.

Читать

Маша Карпец

В августе этого года молдаванка Маша Карпец поднялась на самую высокую точку Европы – Эльбрус. Для нее это – первый опыт в альпинизме, но это не первое покорение гор для граждан Молдовы в целом. Девушка рассказала нам о том, как готовиться к восхождению, что важно учитывать и с какими трудностями можно столкнуться, если тоже захочется покорить эту или другую вершину.

Читать

Никита, человек с ограниченной мобильностью

Кишинёв — столица, где многие мечтают о комфорте и равных возможностях. Но за обещаниями инклюзии прячется другая реальность. Город, который стремится к европейским стандартам, остаётся закрытым для тысяч людей с ограниченной мобильностью. Один из них — Никита, который передвигается на инвалидной коляске. Наш корреспондент прогулялся по району, чтобы узнать, с какими проблемами сталкивается Никита.

Читать

Friends MD

Friends MD — молдавский Telegram-канал, который помогает людям находить друг друга по самым разным поводам. Весной команда запустила новый формат: челлендж с подписчиками. Целью которого было пройти 10 000 000 шагов, делясь процессом в соцсетях, чтобы привлечь внимание к проблеме экологии. Они отправились в поход по Ликийской тропе в Турции.

Читать

Local Artist

Яков Грибиненко

Молдавский актер, режиссер и сценарист Яков Грибиненко больше 10 лет играет в театре и занимается постановкой спектаклей, параллельно снимая независимое кино. В 2024 году Яков принял участие в съемках зарубежного фильма, которые проходили на Кипре. А на момент нашего разговора у него в разработке находилось сразу три независимые картины. Яков рассказал в интервью о том, с какими трудностями они сталкиваются при создании фильмов в Молдове, как он успевает совмещать роли актера, режиссера, сценариста и педагога и почему был готов закончить с кино.

Читать

Виталий Булгаров

Виталий Булгаров – известный концепт-дизайнер и 3D-художник из Бессарабки за более чем 15 лет работы в индустрии уже сотрудничал с Dreamworks, Blizzard Entertainment, LucasFilm's Industrial Light&Magic, Paramount Pictures, MGM и Skydance Productions.

Читать

Валерия Мейзлес

В этом выпуске Local Artist рассказывали о художнице из Бельц, чьи коллажи из старинных писем и изображений попали в лондонский журнал Colle и стали этикеткой гонконгской алкогольной марки.

Читать

Екатерина Тюхта

Екатерина Тюхта художница из Молдовы, родилась в Григориополе, живет и работает в Сербии. Одна из ее самых значимых работ «DUBA» — это проект о дакийской культуре, которая была уничтожена, ассимилирована и почти забыта. О своем творчество девушка рассказала нам для рубрики Local Artist.

Читать

Дарья Кузнецова

В 2024 году в галерее BUNKER прошла персональная выставка молодой художницы Дарьи Кузнецовой «Umbra care tace» (Тень, которая молчит). На выставке были представлены картины, которые исследуют влияние урбанизации на человеческий дух, где тишина кричит громче городского шума, а тени рассказывают истории ярче, чем слова. В рубрике Local Artist мы познакомились с художницей и ее творчеством.

Читать

Натан Эльканович

Натан Эльканович — израильский художник и дизайнер, родился в Советской Молдове в 1966 году. Он иммигрировал в Израиль в возрасте 10 лет с родителями и старшей сестрой. С течением времени Натан стал известен благодаря своей уникальной технике живописи, которую он назвал НАТАНИЗМ.

Читать

Серджиу Чокинэ

Художник Серджиу Чокинэ родился в селе Болдурешть, Ниспоренского района, в 2001 году. В 2021 году он окончил Колледж изобразительного искусства им. Александру Плэмэдялэ, а уже через два года переехал в Париж по «визе таланта». Работы Серджиу были представлены на выставках в Молдове, Великобритании, Южной Корее, Франции, Испании, Италии, Норвегии.

Читать

Александр Савко

Александр Андреевич Савко — один из наиболее ярких и парадоксальных представителей современного искусства. В его проектах классические сюжеты сталкиваются с героями массовой культуры — от Микки-Мауса, Бэтмена и Человека-Паука до персонажей советской анимации. История искусств переплелась с мультипликационными, компьютерными и другими героями массовой культуры. Теперь они вместе конфликтуют, рассуждают, устраивают своеобразные коллаборации.

Читать

Ольга Сафронова

Ольга Сафронова родилась в Молдове и уже шесть лет живет в Катаре. По профессии она менеджер, но помимо основной работы нашла свою страсть еще и в писательстве. Ольга автор нескольких детских книг и взрослых новелл, основанных на реальных исторических событиях, которые происходили на территории Молдавского княжества столетия назад.

Читать

Запись Итоги 2025 года: истории молдаван, о которых мы писали впервые появилась Locals.

Савко рано выработал собственный художественный метод, основанный на палимпсесте: он помещает персонажей массовой культуры — героев комиксов, сериалов, мультфильмов — в пространство мировых художественных шедевров. Такое столкновение культурных кодов превращает историю искусства в открытую систему, где старое и новое, высокое и низкое, элитарное и бульварное вступают в игру и порождают новые смыслы.

В его проектах классические сюжеты сталкиваются с героями массовой культуры — от Микки-Мауса, Бэтмена и Человека-Паука до персонажей советской анимации. История искусств переплелась с мультипликационными, компьютерными и другими героями массовой культуры. Теперь они вместе конфликтуют, рассуждают, устраивают своеобразные коллаборации.

В 1996 году состоялась его первая персональная выставка «Школа киллеров» у Марата Гельмана. Позднее он участвовал в ряде крупных российских и международных проектов — от Биеннале в Цетине (1997) и Baltic Biennale (2004) до Московской биеннале современного искусства (2013), а также ярмарок FIAC, Art-Moscow и других. Савко был номинантом премии Кандинского (2007) и премии «Соратник» (2006). Его произведения находятся в собраниях Третьяковской галереи, ММОМА, фонда «Екатерина», а также в частных коллекциях в России и Европе.

Одним из самых обсуждаемых эпизодов в его биографии стало решение районного суда Тарусы, Калужской области, признавшего в 2011 году экстремистской работу «Нагорная проповедь» из серии «Путешествия Микки Мауса по истории искусства» (1995). По решению суда, было не только запрещено репродуцирование «Нагорной проповеди» в СМИ и других изданиях, но и сама работа подлежала уничтожению. Сейчас работы из «Путешествия Микки Мауса» в основном находятся в частных коллекциях за пределами России.

В своих последних проектах, включая «Чары безумного мира», Савко продолжает исследовать столкновение культурных пластов. В его работах соседствуют фигуры Сальвадора Дали, Белоснежки, «Рабочего и колхозницы» и других знаковых персонажей, превращенных художником в участники единого визуального спектакля, где мультфильм, живопись, мифология и повседневность образуют единую пульсирующую среду. Савко также продолжает развивать свой фирменный метод: творческое копирование широко известных произведений и перемещение их смыслов в современный и радикально измененный антураж. Художник создает «псевдоисторию» — калейдоскопическую модель мира, в которой размываются границы между сакральным и обыденным, высоким и низким, а реальность предстает как стремительный поток переопределяемых смыслов.

Источники: Fine Art Gallery, Art Investment, Art Guide

Запись Александр Савко — художник, который объединяет персонажей поп-культуры с мировыми шедеврами впервые появилась Locals.

Художник Серджиу Чокинэ родился в селе Болдурешть, Ниспоренского района, в 2001 году. В 2021 году он окончил Колледж изобразительного искусства им. Александру Плэмэдялэ, а уже через два года переехал в Париж по «визе таланта».

Одна молдаванка, обосновавшаяся четыре года в Париже, сказала: «Мне пришлось заново учиться жить». Я подписываюсь под этими словами. Социальная разница слишком велика. Молдова – чудесная страна, я ее люблю, горжусь тем, что я там родился, учился, вырос, однако теперь Париж – «это дом». Он стал трамплином, откуда я могу заявить о себе. <…> Сложнее – продавать искусство, устанавливать хорошие цены на картины, потому что Молдова находится в хвосте многих рейтингов, и это диктует также маленькие рыночные цены, в то время как у нас есть чудесные живописцы, которые могли бы быть оценены намного лучше, – рассказал Серджиу в интервью Ziarul de Gardă в 2024 году.

Его художественное направление глубоко укоренено в экспрессивном стиле, а визуальный язык колеблется между фигуративным и абстрактным. Художник использует широкий спектр ярких и контрастных цветов для исследования эмоциональных и экзистенциальных тем. Его работы обращаются к сложности человеческого существования, взаимоотношений и самоанализа.

Вдохновение часто приходит неожиданно: по дороге домой, направляясь в студию, во время моих путешествий или во время ночных прогулок. Картина может начаться всего с нескольких зданий или деталей, но иногда я полностью переосмысляю место, создавая контрасты с реальностью, которые отражают то, как я чувствую и воспринимаю его. Люди ценят эту личную перспективу, – делится Серджиу на своем сайте.

После переезда в Париж в июне 2023 года Серджиу продолжил работу над серией «синих картин». Общий стиль этой серии сочетает элементы сюрреализма и экспрессионизма, используя символические и абстрактные формы для исследования глубоких эмоциональных переживаний.

Акцент на руках, телах и сдержанных выражениях лиц, в сочетании со сказочным и эфемерным использованием цвета и внушительным масштабом полотен, переносит зрителя в мир размышлений о человеческой связи.

Через свое творчество художник стремится уловить гармонию между природой и архитектурой, часто работая на пленэре, чтобы передать суть света и тени. Эти элементы придают глубину и жизненность его композициям, делая каждую работу живой.

Работы Серджиу были представлены на выставках в Молдове, Великобритании, Южной Корее, Франции, Испании, Италии, Норвегии. В 2025 году в Париже прошла первая персональная выставка художника, на которой он представил более 30 картин и рисунков, а также выпустил свою первую авторскую книгу «Blue Soul». Работы Серджиу хранятся в частных коллекциях.

Картины Серджиу выставлены на продажу на сайте Saatchi Art.

Источники: ArtSerge, MyLandScape, Ziarul de Gardă

Запись Local Artist: Серджиу Чокинэ – художник, покоривший Францию впервые появилась Locals.

Юлия Панич о видео: «Сотрудничество с Викторией Випрадой превратилось в настоящее путешествие по собственным сказкам, начавшееся с её приглашения на фотосессию. За чашкой кофе Виктория сказала мне, что в её видении мой персонаж ассоциируется с лесом, и так мы решили отправиться в Цыпова — одно из самых мистических мест Молдовы, где я люблю бродить. Там и началась маленькая история, из которой родилось это визуальное исследование — выражение момента и связи с ним, ведь ничего из того, что мы планировали по дороге на локацию, не захотело сработать. Мы пошли за течением, уловили вибрацию ветра, соединились с местом и прислушались к его шёпоту.

Виктория вдохновила меня достать из ящика мелодию, над которой я когда-то работала, и которая была скорее очень личным, почти юнгианским погружением в лабиринты собственной сущности, — я даже не знала, опубликую ли её когда-нибудь. Но всё как будто переплелось естественным и искренним образом.

В этой коллаборации Виктория своим художественным духом и через призму объектива подарила мне гостеприимное и магическое пространство, в котором я смогла соединиться с очень архаичной вибрацией моей души, поющей на забытых языках».

Виктория Випрада: «В начале лета я была выжата, только завершила свой проект Fugere и, почти не осознавая, искала место, где можно вернуть силы. Встретив Юлию Панич — музыканта с редким чувством природы, я пошла за ней по ее тропам. Несколько часов без мобильной связи, с фотоаппаратом без карты памяти, превратили меня в свидетеля диалога — громкого и тихого, тонкого и бескрайнего, местами игры, местами слияния с природой. Из этого опыта родился наш фильм Mistful Trip».

Запись Виктория Випрада и Юлия Панич выпустили видео «MISTFUL TRIP» впервые появилась Locals.

«Меня зовут Валерия Мейзлес, мне 25 лет, я родилась в городе Бельцы и уже шесть лет занимаюсь искусством, исследую философию визуального языка и глубинные слои, которые раскрываются через коллаж. Для меня искусство — это не просто способ выражения, а инструмент исследования памяти, времени и ощущения присутствия.

В 2023 году я провела персональную выставку в Картинной галерее имени Антиоха Кантемира в Бельцах — это был важный момент возвращения и диалога с местом, где всё началось. Моё искусство также было представлено в лондонском журнале Colle.

Другой коллаж стал частью дизайна этикетки 21-летнего рома гонконгской алкогольной марки — образ, который неожиданно оказался на грани между личным и глобальным, между архивом и этикеткой.

Мои коллажи — это ручные композиции, созданные на старых книжных обложках. Я использую винтажные открытки, выцветшие фотографии, письма, архивные фрагменты и другие визуальные остатки прошлого. Каждый элемент несёт в себе отпечаток времени, и моя задача — услышать в нём то, что он ещё может рассказать. В этом физическом процессе присутствует нечто почти ритуальное — внимательное соединение прошлого и настоящего.

Работы часто строятся на ассоциативных нитях — связях, которые не очевидны, но рождаются внутри. Я не стремлюсь к линейному повествованию. Наоборот, в хаосе и несовершенстве находится нечто живое. Я ценю случайность: как вырез упал, как бумага состарилась, как изображение отклеилось. В этом — правда времени.

Я работаю с тишиной. С образом, который не кричит, не объясняет себя, не требует немедленного понимания. Мне близка эстетика фрагмента — того, что осталось, и того, что нельзя вернуть полностью. Коллаж для меня — это способ пересобирать реальность, соединять эпохи, чувства и даже утраченные голоса.

Недавно я завершила работу над своей первой книгой. Это не просто сборник коллажей, а развёрнутый текст, в котором я исследую философию коллажа как способа восприятия мира. Я говорю о разрывах и соединениях, о чувствах, которые рождаются между образами, о метафизике вырезанного и приклеенного. Эта книга — попытка через искусство сказать то, что не всегда может быть произнесено словами.

Я также сотрудничаю с художниками из разных стран, и такие взаимодействия обогащают мою практику — позволяя взглянуть на визуальный язык с новой стороны. Некоторые мои работы сегодня находятся в частных коллекциях и стали частью интерьеров по всему миру. Для меня важно, что коллаж, созданный из архивного материала, обретает новую жизнь в другом времени и пространстве.

Мои коллажи не имеют названий — я сознательно избегаю навязывать интерпретацию. Я считаю, что искусство должно оставлять место зрителю, его личному опыту, памяти и воображению. Название — это ярлык, а я предлагаю пространство. Образ говорит сам. Иногда шёпотом. Иногда как эхо. Иногда вообще молчит. И в этом молчании тоже есть смысл».

Instagram художницы

Запись Коллажи художницы из Бельц публикует лондонский Colle, из её работ сделал этикетку бренд гонгконгского рома впервые появилась Locals.

«Gradina Urzică» — это художественное исследование тонкой, но недооценённой связи между человеком и природой в условиях стремительного урбанистического и технологического сдвига.

Проект подчёркивает необходимость переосмысления этой связи, утраченной под давлением урбанизации и цифровой экспансии.

В центре внимания — растения и почва, рассматриваемые как нечеловеческие агенты, способные быть носителями культурной и исторической памяти, а также традиций. Через взаимодействие с ними открываются новые перспективы осмысления прошлого и настоящего в контексте политических и социальных преобразований.

«Gradina Urzică» предлагает взглянуть на природу не как на фон человеческой истории, а как на равноправного участника политического и социального воображения — как на силу, обладающую собственным голосом, памятью и ритмом.

Вдохновляясь фрагментами личной памяти, художница прокладывает маршрут через слои индивидуального и коллективного опыта — от городского парка Кишинёва, до деревенского дома своей бабушки, в поисках крапивы. Она создаёт ландшафт памяти, в котором образы, формы и жесты становятся интуитивными практиками исцеления. Это путешествие — попытка восстановить утраченные ритмы и телесные ощущения, затерянные в разломах между природным циклом и логикой современной цивилизации.

С 2008 года, работы Татьяны Фёдоровой-Лефтер демонстрировались на персональных и групповых выставках, а также на фестивалях в Европе и за её пределами. В 2023 году она стала лауреаткой престижной стипендиальной программы в области искусства и теории с проектом «В руинах / В поисках идентичности», представленным в рамках групповой выставки стипендиатов «Тайная жизнь растений и деревьев» в KUNSTPAVILLON (Инсбрук, Австрия).

Проект «Gradina Urzică» был впервые представлен на саммите Green and Just Transition в Кишинёве в марте 2025 года и осуществлён при поддержке и финансировании Danish Cultural Foundation.

Проект реализован в формате мультимедийной инсталляции и объединяет произведения, выполненные в разных техниках — от живописи и графики до текстильных работ, керамики и экспериментальных медиа.

Место проведения: Галерея Plai, ул. Пушкина, 39.
Время работы: Вторник - Суббота с 12:00 до 20:00
Период: 16 июля – 1 августа 2025 года
Вход на выставку бесплатный

Запись Выставка «Gradina Urzică» Татьяны Фёдоровой-Лефтер открылась в галерее Plai впервые появилась Locals.

Молдавская художница Людмила Куптор 5 июля установила мировой рекорд, создав крупнейшую в мире работу в технике Эбру — живописи на воде. Ее достижение было официально признано представительницей Книги рекордов Гиннесса, которая прибыла из Великобритании для валидации результата. Событие прошло в PORT MALL, передает IPN.

Это результат многих лет внутреннего поиска, труда, усилий, сомнений, надежд и смелости. Работа вдохновлена классической турецкой техникой Эбру — живописью на воде, с которой я впервые познакомилась в 2019 году в Италии. Это была любовь с первого взгляда, — рассказала художница.

Она объяснила, что картина была создана непосредственно на водной поверхности, а затем перенесена на специальное полотно. По ее словам, семь цветов радуги, использованных в работе, символизируют 70-летие Книги рекордов Гиннесса, а также являются символом надежды и единства.

Автор подчеркнула, что картина изображает молдавскую равнину, полную зелени и цветов в разгар весны, наполняющую душу ощущением покоя и удовлетворения.

Процесс создания картины был внимательно отслежен уполномоченной представительницей Книги рекордов Гиннесса, Паулиной Сапинской. По итогам оценки она официально признала достижение. Сапинска отметила, что художница выполнила все критерии, установленные организацией, и почти вдвое превзошла предыдущий рекорд, составлявший 20,86 квадратных метра.

Эта работа имеет площадь 39,97 квадратных метра. Это действительно впечатляющая попытка и новый мировой рекорд, — заявила Паулина Сапинска.

В завершение мероприятия художнице вручили официальный сертификат, подтверждающий новый мировой рекорд за самую большую картину, выполненную в технике Эбру. В ближайшие недели работа будет выставлена в Port Mall, после чего станет частью музейной коллекции.

Фото: IPN/Elena Covalenco

Запись Молдавская художница попала в Книгу рекордов Гиннесса за самую большую картину на воде впервые появилась Locals.

Меня зовут Екатерина Тюхта и я художница из Молдовы, родилась в Григориополе, сейчас живу и работаю в Сербии. Моя практика находится на стыке живописи, монументального искусства, инсталляции и видео. Особое внимание уделяю темам памяти, исчезнувших культур и визуальному языку ритуала, и постколониальной критике.

Я с детства знала, что буду художницей. Получила академическое образование в Институте имени Репина в Санкт-Петербурге, в монументальной мастерской, где работала с фреской, мозаикой и витражом. Но моя практика продолжает развиваться вне академии — в сторону личного, экспериментального, ритуального.

Это неотъемлемая часть моей жизни и способ говорить с миром — не хобби и не просто профессия, а мой язык и форма существования. Я участвовала в групповых выставках в Санкт-Петербурге, Бухаресте, Нови-Саде, а моя дипломная работа находится на постоянной экспозиции в центре Петербурга. Сейчас я работаю над международной выставкой с художницами из Китая, США и Европы.

Визуально мои работы тяготеют к архаике, минимализму, земным текстурам и символизму. В них сочетается византийская пластика, постсоветская визуальность и медитативное разрушение формы. Меня вдохновляют художницы вроде Латифы Экшахч, Берлинд де Брёйкере, а также румынские резьбари, традиционные балканские ритуалы и огонь как философия. Нахожу вдохновение — в языке, танце и легендах, а также нашей общей постсоветской реальности.

Сейчас моя самая значимая работа — серия «DUBA», в которую входят ритуальные маски, одна из которых на видео, саундарт и объектная скульптура. Хочу дополнить ее серией больших рисунков, построенных на узнаваемых ритуальных сценах. Это не просто визуальный образ, а акт возвращения себе утраченного голоса через исчезновение.

«DUBA» — это проект о дакийской культуре, которая была уничтожена, ассимилирована и почти забыта. Параллели, я думаю, в наше время считываются еще острее. Я придумала вымышленный дакийский язык, ведь никто не может знать, как именно он звучал. Я была бы рада пообщаться для коллаборации по этому проекту с лингвистами, чтобы обогатить свои мысли. Все началось с масок, пока я их лепила, мы с парнем посмотрели фильм Роберта Эггерса «Носферату», и я начала читать про то, как они восстанавливали язык – слова, схожие в румынском и албанском, скорее всего имеют дакийское происхождение. На основе исчезнувших слов и звуков написала хоровую песню, музыку для которой помог мне свести мой друг, а хор озвучил Suno AI. Маска в видео — как археологический дух. Я её выкапываю, сжигаю и смотрю, как она исчезает. Это про то, как мы храним в себе то, чего больше нет. И как выбираем — отпустить.

Я использую папье-маше, глину, золу, уголь, пигмент, золото, а огонь в этом видео сделан нейросетью, так как сейчас в Сербии шторма и сезон майских гроз. Очень хочу найти профессионала для более качественного серийного продакшена. Материал для меня — это носитель памяти. Он важен не меньше образа. Поэтому, как акт постколониального дискурса, очень важно сжечь маску в реальности.

Сейчас я работаю над созданием серии ритуальных объектов и планирую видеоинсталляцию, основанную на фольклоре, исчезновении и звуке. А также подаю проект «DUBA» на международные платформы и биеннале.

Мои работы можно приобрести. Для этого нужно связаться через Instagram или электронную почту — я с радостью расскажу, какие из работ свободны или возможны к заказу.

Instagram художницы

Запись Local Artist: художница Екатерина Тюхта о своем проекте на дакийском языке впервые появилась Locals.

«Меня зовут Дарья Столер, я визуальный артист. Живу в Кишинёве, откуда я и родом. Моя цель — запечатлевать моменты, исследовать гармонию мира и отражать взаимодействие человеческой души с окружающей реальностью.

Фотографией я занимаюсь профессионально более двух лет. Сегодня она стала моим голосом, с помощью которого я делюсь своими мыслями и переживаниями. Я люблю изучать тело человека, природу и улавливать уникальные моменты.

Меня вдохновляет возможность через фотографию передавать идеи и мысли, которые мне трудно или порой невозможно выразить словами. Я стараюсь через свои работы раскрыть свои внутренние черты — это путешествие внутрь себя.

Идея моей выставки заключается в метафоре «Брак Солнца и Луны». Это происходит внутри человека, когда сердце и разум соединяются в вечном союзе. Эта выставка — личный проект, который стал возможен благодаря поддержке пространства Queer Café и кураторству Илариона Шемежевского.

Я люблю каждую свою фотографию, потому что создаю её от души. Некоторые мои работы удостоились публикации в Photo Vogue, а также в печатном издании журнала Marika. Остальные можно увидеть на моём сайте.

Сейчас у меня в планах — проект о человеческом теле, его границах возможностей и связи с природой. Также хочу организовать больше выставок в Молдове и выйти на международный рынок».

Вернисаж состоится 24 января в 18:00 в Queer Café, ул. Алексей Матеевич 69. Выставка будет проходить до 19 февраля включительно.

Instagram
Сайт

Запись «Брак Солнца и Луны»: фотограф Дарья Столер о своем творчестве и персональной выставке в Queer Café впервые появилась Locals.

«Я из города Кишинев, родилась здесь и выросла. Сразу после школы поступила в местную академию искусств на специальность «живопись». И в 2023 году окончила лицензиат.

Одно из первых моих осознанных воспоминаний – мне три, я размазываю медовую акварель какого-то серо-изумрудного цвета по маминым рабочим бланкам и думаю, что я великий художник. Кому-то в детстве хотелось стать пожарным, кому-то космонавтом, а мне – художником. Я увлеклась этим со всей возможной серьёзностью трёхлетнего ребёнка, желание рисовать стало навязчивой идеей, и с тех пор ничего не изменилось.

Я пишу фигуративную живопись. Не знаю, как наверняка идентифицировать свой стиль. Пожалуй, больше всего на меня повлияла живопись экспрессионизма. Однако называть это экспрессионизмом было бы не вполне корректно, так как это конкретное течение со своей философией, актуальной для своего времени. Поэтому это влияние проявляется именно в формальном отношении. Содержательно я хочу постепенно уйти исключительно от чисто-эмоционального наполнения картин. Я больше стараюсь строить композицию вокруг какого-то чёткого сюжета, используя экспрессивную стилизацию и угловатую дробленую композицию, как одно из средств выражения идеи.

Пожалуй, две самые значимые для меня работы – «Красная луна» и дипломная работа на лицензиате «Город».

«Красная луна» – моя первая работа большого формата. Этот образ преследовал меня, как наваждение, долгие месяцы, пока я не воплотила его. В нём очень личные, почти кровоточащие, для меня переживания.

С дипломной работой всё несколько прозаичней. В неё было вложено много интеллектуальных сил, это, само собой разумеется. Я долго вынашивала идею, много размышляла на тему эскапизма (тема диплома). К чему-то в ходе работы у меня изменилось отношение. Я прожила долгий период внутри этой композиции, она неизбежно во мне сильно запечатлелась.

В конце лета прошлого года у меня прошла выставка «Umbra care tace» в галерее BUNKER при поддержке центра современного искусства [ksa:k]. Эта была моя первая персональная выставка, раньше я участвовала исключительно в групповых экспозициях. Тема выставки была продолжением темы дипломной работы – подавленность, эскапизм, угнетённое состояние психики под давлением города. Эта экспозиция провела черту под моим первым серьёзным художественным этапом.

Меня вдохновляет в первую очередь конечно то, что я вижу вокруг себя каждый день. Отсюда берутся темы и идеи. Мне нравится наблюдать за ритмами во всём – в природе, в действиях людей, в движении света. Чуть осознанней подойти к этим впечатлениям мне помогает кинематограф – по сути тоже искусство движений и ритмов. Один из моих любимейших фильмов – «Иван Грозный» Сергея Эйзенштейна. У фильма много достоинств, но одно из наиболее значимых для меня – в нём гениально выстроена композиция кадра. Подобного рода кино – эйфоретик для моих глаз и эстетического чувства, очень мощный творческий заряд. Из художников-живописцев самый близкий моему сердцу – Михаил Врубель.

Я стараюсь тратить бОльшую возможную часть своего времени на живопись. Заработок, особенно на первых порах, приносит со скрипом, однако для меня это всё же работа.

Сейчас мы с друзьями готовим один крупный групповой проект, о деталях которого пока рано распространяться. Мы надеемся, что у нас всё получится, но для нас всех это нечто непривычное.

Посмотреть и при желании приобрести мои картины можно в моём инстаграм-аккаунте @krasnyi_deni».

Запись Local Artist: художница Дарья Кузнецова о творчестве, наполненном переживаниями впервые появилась Locals.

Мы не страдали там от антисемитизма, мы просто боялись КГБ, а мой отец хотел иммигрировать в Израиль. Мы ждали разрешения на выезд год и знали, что как только мы его получим, у нас будет всего 24 часа, чтобы уехать. Так что мы жили на чемоданах. Когда мы получили разрешение я закричал от счастья. Мы поднялись на борт в пяти слоях одежды, температура была минус двадцать градусов, а когда в Израиле открылась дверь самолета, на нас обрушилась волна жары, – рассказал Натан в интервью для израильской газеты Yediot Ahronot.

С ранних лет Натан проявлял интерес к искусству, и в условиях строгих советских порядков, когда нельзя было свободно себя выражать, он начал воплощать свои идеи через украшение блюд, которые готовил вместе с матерью на кухне. После переезда в Израиль он продолжил развивать свою творческую сторону и поступил в Шенкар, Колледж инженерии и дизайна в Тель-Авиве, где получил степень бакалавра в области дизайна одежды.

В период с 1995 по 2015 год Натан работал старшим художником по костюмам в израильской кино- и телеиндустрии. За свою работу в этой сфере он был четыре раза удостоен премии Израильской академии за лучший дизайн костюмов.

С течением времени Натан стал известен благодаря своей уникальной технике живописи, которую он назвал НАТАНИЗМ. Он использует разнообразные пластиковые материалы, такие как силикон и акрил, которые наносит на холст с помощью кухонных принадлежностей, создавая тем самым яркую 3D-текстуру. В его работах часто можно увидеть элементы Swarovski и различные блестки. Материалы кропотливо и полностью изготавливаются Натаном, и в процессе не задействовано никакое оборудование.

Для Натана в его работе есть элемент тантры, который включает в себя повторение, терпение и изящество. Эти устойчивые и повторяющиеся движения становятся для него медитацией, соединяющей физическое с энергетической природой света и духа.

Натан не ограничивает себя только в выборе сюжетов, он рисует портреты известных людей и изображения великих произведений искусства, которые оказали на него влияние. В своих работах он выражает благодарность и признательность тем людям и мастерам, которые формировали его мир.

Он дарил портреты известным израильским артистам, среди которых —актриса Галь Гадот, певица Ноа Кирел и актер Элиад Коэн.

Он также активно поддерживает благотворительные инициативы, жертвуя свои произведения на благородные цели и помогая людям по всему миру, независимо от их расы, религии или пола. Его искусство наполнено гуманизмом, любовью и признательностью к человечеству.

Его работы находятся в частных коллекциях и выставляются в элитных галереях и музеях по всему миру. В 2023 году одно из произведений Натана было приобретено европейским музеем Кармен Тиссен.

Работы Натана можно приобрести, например на Artsper.

Источники: Официальный сайт Натана
Фото: Instagram Natan Elkanovich

Запись Родом из Молдовы: Натан Эльканович – известный израильский художник, придумавший свою уникальную технику рисования впервые появилась Locals.

«В городе, где на полгода тяжело отличить искусство от ежедневной жизни, возможность рассказать о Молдове была необходимостью. У меня было 400 евро на перелёт и проживание, 80-летний тётин ковёр и желание рассказать о том, что близко связано со мной», — рассказывает художница.

В 2024 году биеннале получила название «Иностранцы повсюду» и сосредоточена на деколониализме и проблемах беженцев. К этому располагали и политический контекст (военные конфликты в Украине и на Ближнем Востоке), и антимиграционные настроения, и набирающий обороты в Европе ультраправый дискурс.

«Уехав в 25 за лучшей жизнью из Молдовы,
они пообещали себе вернуться через, ну, максимум года два
и не успеть стать иностранцами,
чтобы просто подзаработать и дать детям ту лучшую жизнь,
которую не могли позволить себе.

На стройку, за клубникой или смотреть за детьми,
что напоминали им своих далеко дома.

Только не заметили, как 20 лет спустя
иностранцами стали для своих,
и на вопрос «Когда домой?»
тяжело даже себе ответить: «А где он?»

Базовый итальянский,
чтобы без деталей сказать донне о своих делах,
и наизусть знать, куда сложить её бельё в комоде,
немного золота в ушах
и уставшие руки от работы.

Иностранцем приехал — иностранцем и останешься.

Как ни старайся прикладывать язык к небу для правильного ударения,
произношение выдаст их
место рождения».

«Иностранцы повсюду, но некоторые иностранцы более заметны, чем другие» — вторая неофициальная интервенция на Венецианском биеннале от Молдовы. 5 лет назад в 2019 году молдавская художница Татьяна Фёдорова устроила несанкционированный перформанс «Я не туалетная бумага» на открытии Венецианской Биеннале, а в 2011 году в первый и последний раз у Молдовы был свой официальный корнер на главном смотре современного искусства.

В 2024 году Екатерина Григорьева в течение пяти часов вручную мыла традиционный молдавский ковёр и принимала от местных ковры для сбора денег на будущий Молдавский павильон на биеннале — “For Moldovan Pavilion” было написано у художницы на ведёрке для пожертвований.

Немного юмора, немного статистики и укоренённых стереотипов о том, кто же такие молдавские иностранцы в Италии.

Тема 60-го биеннале «Иностранцы везде» в Венеции, как никогда, могла бы стать релевантной почвой для молдавских артистов, чтобы показать своё искусство. Италия продолжает быть лидирующей страной с самым высоким количеством легально находящихся там граждан Молдовы.

По последним данным, на 67,1% молдавских иностранцев приходятся женщины, которые в большинстве случаев остаются работать в сфере услуг. 33% мужчин работают в сфере ремонта, на стройках либо собирают урожай. Про художников среди молдавских трудовых эмигрантов в статистике нет ни слова.

Проходящие зрители произносили "Moldovan" с разными акцентами и, читая QR-код, видели себя в работе Екатерины. У одной немецкой семьи чистоплотная и трудолюбивая молдованка убирает дом. Другая женщина из Молдовы уже 22 года в Италии и, убежав от стереотипов, она стала гидом в Венеции. Но чувство иностранки до сих пор остаётся с ней. Языковой барьер и чувство неполноценности тесно связаны для многих иностранцев в новой стране.

За пять часов работы Кате на молдавский павильон удалось собрать 165 евро, что, конечно, сумма чисто символическая.

“Эти деньги теперь лежат в конверте «для министерства культуры Молдовы»”, — говорит художница. Что ей удалось, так это начать диалог с многими посетителями и критиками, для которых Молдова впервые попала в поле внимания.

«Иностранцы повсюду, но некоторые иностранцы более заметны, чем другие» — Катя посвятила эту работу своим родителям и другим иностранцам, которые когда-то уехали из Молдовы «на заработки» и до сих пор не вернулись. Это и критика того, как тема иностранцев на биеннале зависит от их финансовых возможностей заявить о своих проблемах. «Некоторые иностранцы так и останутся в тени, пока их истории не привлекут внимание кураторов с ресурсами», — говорит художница.

Фото: Виктория Випрада

Запись «Иностранцы повсюду, но некоторые иностранцы более заметны, чем другие» — Молдову на Биеннале в Венеции неофициально представила художница Екатерина Григорьева впервые появилась Locals.

Меня зовут Кристина Ставенски, я художница, дизайнер, график из Кишинева. Еще, когда мне было полтора года родители заметили мой интерес и то, как я рисую в сравнении со сверстниками. А уже в шесть лет, когда я пошла в первый класс, была организована моя первая выставка под руководством художников супругов Фуркулица (Furculița). Первая серия работ в детском возрасте была создана в технике пастели и рисунка под впечатлением от стихов американского писателя и поэта Эдгара По, которые мне читала преподаватель по живописи.

После училась в гимназическом классе в Республиканском Художественном Лицее им. И. Виеру. В 2007 году поступила на специальность Промышленный и Предметный Дизайн в Техническом Университете Молдовы, закончила с успехом мастерат на этой же кафедре. А в 2024 году закончила модуль Психопедагогики в Педагогическом Государственном университете им. И. Крянгэ. Я даже работала в сфере коврового дизайна на фабрике Covoare Ungheni: создавала рисунок ковра в цифровом виде на компьютере и занималась подготовкой к производству.

Поэтому рисование – это мое призвание, я всегда в поиске новых идей для развития собственного стиля и прорабатываю свою авторскую технику. У меня есть работы и в рисунке (уголь, сангина, сепия, соусы), в пастели, в акварели и в смешанной технике. Люблю рисовать графику тушью/пером.

Я вдохновляюсь обычным пейзажем вокруг себя, гуляя по улицам моего города или в сельской местности. Делаю зарисовки, эскизы и стараюсь запечатлеть интересные места и элементы знакомых и привычных нам видов. Иногда есть возможность создать пленэр, находясь непосредственно на природе. У меня есть серия любимых мест, к которым я всегда возвращаюсь, чтобы запечатлеть их в разную погоду и в разное время года: холм Мэзэраке, окрестности села в Дубоссарском районе (село Новая Комиссаровка), а также улица, на которой проживаю в микрорайоне Старая Почта.

В период с 23-го февраля по 23-марта, в Муниципальной Библиотеке имени Б. П. Хашдеу, проходила выставка «Пейзаж посреди нас», для которой я создала 15 работ (тушью пером и в смешанной технике) сельской повседневной местности и дворов нашего города. А совсем недавно в Муниципальной Библиотеке имени Б.П. Хашдеу прошла кратковременная выставка, связанная с исторической датой – 588 лет со дня первого документального упоминания Кишинева. На ней были представлены 21 работа городского пейзажа нашей столицы в акварели и в смешанной технике.

Выставку городского пейзажа на эту же тему снова пройдет в ближайшее время. И на будущее планирую сделать новую серию работ в графике пейзажа тушью.

Мои работы можно заказать индивидуально, некоторые опубликованы на моей странице в Facebook. Сейчас у меня планах разработка публикаций на художественных платформах. Я создаю новую серию работ видов Кишинева и иллюстрации на тему времен года из повседневной жизни. И хотелось бы дать возможность своей серии акварельных иллюстраций существовать в книжной графике.

Запись Художница Кристина Ставенски: «Стараюсь запечатлеть интересные места и элементы знакомых и привычных нам видов» впервые появилась Locals.

«Nuduri in Lumina» – это выставка, исследующая сущность и красоту человеческого тела через призму света и тени. В этой впечатляющей коллекции Михаэла Мотрюк раскрывает свою страсть к рисунку и живописи, представляя серию работ, которые подчёркивают формы и выражения обнажённого тела в деликатной и глубокой манере.

Выставка организована вокруг идеи празднования разнообразия и естественности человеческого тела, используя свет как важный инструмент для выявления тонких деталей и создания атмосферы интимности и созерцания. Каждое представленное произведение свидетельствует не только о физических аспектах своих сюжетов, но и об их эмоциях и внутренней истории.

Используя разнообразные техники, от цифровой графики до традиционной живописи, Михаэла Мотрюк исследует контраст между светом и тьмой, подчёркивая контуры и текстуры кожи. В каждом полотне свет становится центральным персонажем, который направляет взгляд и подчёркивает естественную красоту обнажённых тел. Художница использует утончённую палитру цветов, придающую каждой работе ощущение тепла и аутентичности.

«Nuduri in Lumina» – это не просто выставка искусства, но и приглашение к интроспекции и признанию человеческой сложности. Каждое обнажённое тело представляет собой уникальное сочетание уязвимости и силы, и Михаэла удачно захватывает эту дуальность через чувствительный и эмпатичный подход.

Михаэла Мотрюк стремится открыть диалог о подлинной красоте и о том, как свет может трансформировать наше восприятие человеческого тела. «Обнажённые в свете» – это празднование искусства и человечности, путешествие в тонкий и сложный мир форм и эмоций, предлагая зрителям визуальный и эмоциональный опыт.

О художнице

Запись В Ficus Creative Space проходит выставка Михаэлы Мотрюк «Nuduri in Lumina»  впервые появилась Locals.

Меня зовут Чиприан Анточ. Живу я в селе Бульбоака, и каждый день езжу в Кишинев, где находится моя мастерская и где я пишу картины, пытаясь задуматься о важном, о реальности внешней и внутренней. Кроме того, я работаю в одном из столичных театров.

Еще в детстве во мне постоянно было ощущение, что я стану художником. Поэтому я верно следовать ему все эти годы, учился, пробовал разные стили. Как правило, я работаю с маслом и холстом.

Первая моя выставка открылась в Cartego. Она называлась Energy of Sound. Говорят, что живопись должна звучать, и я стараюсь всегда выразить этот момент в своих работах. К примеру, когда я пишу картину, у меня постоянно что-то играет. Да, я хочу, чтобы мои работы звучали, может быть, поэтому меня так интересует абстракция, в ней есть много от музыки.

В прошлом году моя выставка Vizibil-Invizibil открылась в Бухаресте. Я хотел выразить в ней идею, что если ты долго присматриваешься к чему-то, то все невидимое становится видимым. Еще одна выставка, без названия, прошла в Музее земств. Наконец, этим летом De la sine прошла в Iusty Art Galery, там я представил как свои старые, так и новые работы.

В последнее время я сфокусировался на абстракции. Как художнику она дает мне ощущение  счастья в момент, когда получается найти некие ключи к законам гармонии и композиции. Создать абстракцию – это все равно, что собрать пазл, все составляющие должны соединяться в целое. Успешной я считаю абстракцию тогда, когда из акта импровизации в картине начинает зарождаться нечто живое.

Хотя абстракция сегодня в живописи и доминирует, фигуративное искусство никуда не пропадало. Иногда даже выходит триумфально на первый план,  как в случае Адриана Гения. Кстати, в Молдове люди все-таки более склонны к восприятию  ясной формы. К фигуративу  легко «прицепить» вниманием. Если еще картина и сделана хорошо, она показывает фрагменты материальной, внешней привычной жизни.

Абстрактная живопись доминирует, как мне кажется, именно из-за отсутствия привязки к объектному. Она может оказать сильное по воздействию на зрителя впечатление, и при этом не тяготеть предметами реальность, которая всегда к чему-то отсылает и, мне кажется, иногда мы  очень устаем от конкретики. По-моему, реальность больше похожа на абстрактную картину, чем на предметную. Думаю, все-таки есть более серьезные причины, почему на Западе абстракции уделяют так много внимания, однако это тема для целой лекций.

Я работаю с двумя этими проявлениями искусства, и мне трудно выбрать одно из них. К фигуративу я обращаюсь, когда хочу передать конкретику или определенное ощущение или образ. Абстракция для меня более метафизична, она больше про созерцание.

Из современных художников мне очень близок Герхард Рихтер, я часто смотрю на его работы. Они мне кажутся всегда очень лиричными. Его текстуры по ощущениям очень болезненные, а внутри, в глубине, всегда спрятан свет. И это наложение таких разных чувств очень трогает меня. В его гиперреалистичеких работах я чувствую поэзию, которую он передает разными выразительными средствами. В творчестве Рихтера всегда присутствует момент потери контроля. Его работы о том, что ты не можешь быть уверенным в какой-то конкретной реальности или выдавать ее за истину. Он накладывает разные слои друг на друга, иногда живопись на фотографию, так как говорит, что не уверен в том, что воспринимаемая нами реальность подлинна. Она всегда может оказаться другой, не такой, какой представляется. Мне это ощущение очень близко.

Искусство может дать зрителю как и побег от реальности, так и помочь взглянуть на нее трезво, избавиться от ложных представлений от действительности. Если рассматривать искусство как акт творения, я думаю, у него не должно быть границ. Творчество – это и есть порыв человека к свободе. Поставьте творческому человеку ограничения, и вы убьете саму его суть.

Сегодня живопись сталкивается с новыми вызовами. Один из них — искусственный интеллект. Наверно, тревога по этому поводу заключается в том, что это может в какой-то мере «развращать» художника быстротой и яркостью эффекта. Художник — это про путь к смыслу, своему собственному языку выражения, и этот язык не приходит молниеносно.

Технически это вызов, конечно, художники всегда стремились к технике, которая облегчит и сделает работу более эффективной. Но есть впечатление, что это будет больше затрагивать индустрию, где важно все сделать быстрее и экономнее. В сфере искусства как создания новых смыслов это может быть один из многих инструментов в руках художника. Я не представляю время, где все будут писать только  промты и будут довольны этим.

Творческое начало у человека не отобрать, в нас всегда останется эта тяга создавать что-то своими руками. Я думаю, на технологии нужно смотреть позитивно,  но осторожно.

Что будет с искусством, сейчас вообще трудно сказать. Возможно, оно придет к какой-то эклектике, где условные классика и авангард соединятся в некую новую школу. Не знаю. Думаю, есть много перспектив у виртуальной реальности. Но на искусство точно всегда будут влиять политика и экономика, поэтому мы не сможем не зависеть от них.

В будущем я хотел бы попробовать себя в скульптуре и коллаже, хотя никогда раньше с этими жанрами не работал. Меня всегда вдохновляет природа. Она дает мне силы творить. Причем не важно, какая это природа, Молдовы или Италии. Поэтому также хотелось бы подумать, что новое можно внести в жанр пейзажа.

Молдавской арт-среде не хватает идейной базы, возможно, критического мышления. В последние годы открылось несколько галерей и арт-пространств, но подчас их открывают не галеристы, не арт-дилеры, а те же художники или люди с инициативой, которые пытаются привнести к нам то, что у нас не развивалось, и это уже хороший шаг.  Я думаю, нам необходимы  теоретики, которые бы сформулировали то, чем занимаются художники, и тогда это будет путь к ясности и к пониманию собственной идентичности. Я думаю, это станет следующим этапом в развитии, и я этого очень жду.

Слово «рынок» для арт-среды Молдовы еще очень и очень громкое, его проявление – это тоже дело будущего.

Зрителям я бы посоветовал не ставить рамок, не ограничивать себя только классикой или только авангардом,  а открывать разные формы искусства и пытаться понять каждую из них. А еще — доверяйте искусству и  художникам из разных частей мира. Искусство живет везде, выражается в разных формах. Чем больше вы питаетесь разным искусством, тем более понятным становится ценность той или иной новой работы, и вы становитесь более открытыми к новым опытам.

Сильным инструментом для продвижения творчества художника сегодня остается Инстаграм. Благодаря нему тебя узнают многие, от галерей до людей, интересующихся искусством. Поэтому если вы рисуете и хотите заявить о себе, эту социальную сеть обязательно придется осваивать. Меня в Инстаграме можно найти как @artcipri.

Подготовил: Игорь Корнилов

Запись Художник Чиприан Анточ: «Реальность сегодня похожа на абстрактную картину» впервые появилась Locals.

Запись Алекс Бурец, карикатурист: Европа для меня — это стимул для развития конкуренции и стремления к лучшему впервые появилась Locals.

Художник родился в 1922 году в Кишиневе в семье актеров еврейского театра на идише. Яков, единственный сын актеров еврейского театра в Кишиневе Абрама и Поли Авербухов, родился и работал в Кишиневе, обретал профессиональные навыки с 1936 года в Кишиневском художественном училище, под руководством Шнеера Когана и Августа Бальера. На старших курсах он совмещал учебу с работой художником-постановщиком в частном театре Вернера.

Во время Второй мировой войны Яков Авербух находился в трудовой армии, работал в художественных мастерских Краснодарского края и Узбекистана, был художником Бакинского театра оперетты (в городе Андижане). По возвращении в Кишинев стал художником-оформителем в Русском театре им. А.П. Чехова.

Продолжая специальное образование в Республиканском художественном училище им. И.Е. Репина, Яков Авербух вынужден был снова прервать учебу ради заработков, чтобы содержать семью. Поэтому диплом он получил только в 1950 году, будучи уже отцом двух сыновей.

Художественное признание

Свою художественную карьеру Авербух начал с оформления книг. Он самостоятельно овладел основами книжного оформления, и вскоре начал получать серьезные и ответственные заказы. Чтобы прокормить семью Авербух работал и по ночам, выполнял заказы издательств, рисовал плакаты, оформлял книги: обложки, иллюстрации к басням Крылова, Донича, к исторической повести «Никоарэ Подкова» Михаила Садовяну и многим другим.

Для кишиневских издательств художник оформил более двадцати книг, его иллюстрации получили признание на всесоюзных выставках. Но особую популярность Якову принесло оформление поэмы Василе Александри «Миорица». Его приняли в Союз художников Молдовы, а затем и в Союз художников СССР. Вскоре Авербух овладел искусством плаката, гравюры на линолеуме, изучил и монументальное искусство.

Яков Авербух вместе с керамистом Силицким создали керамическое панно в деревне Баурчи. Авербух занимался оформлением интерьеров детского сада в Тирасполе, ресторана «Нистру» в Кишиневе, участвовал в оформлении Кишинева в праздничные дни, а также оформлял павильоны выставок Народного хозяйства.

В 1964 Яков Авербух входил в коллектив медальеров по разработке художественной формы для отливки настольной медали «40 лет Молдавской Советской Социалистической Республике и Коммунистической партии Молдавии».

Он также плотно сотрудничал с Кишиневским Еврейским театром Давида и Арона Шварцманов, создал эмблему театра, оформлял для спектаклей афиши, декорации, рисовал эскизы костюмов.

В 2022 году к 100-летию со дня рождения художника доктор искусствоведения Людмила Тома издала монографический альбом Yakov Averbuch Ash = Яков Авербух Аш. Книга, изданная при поддержке сыновей Якова Авербуха, дала представление о диапазоне творческих задач художника и о его непростой биографии.

«Жизнь уготовила ему немало испытаний, как и многим художникам его поколения, пережившим войну, лишения, голод и – навязанные идеологические и художественные критерии. <…> Эмиграция старшего сына Авраама в Израиль в конце 1970-х годов расценивалась советскими руководителями как измена, запятнавшая всю семью, поэтому в альбомах, посвященных молдавской графике, имя Якова Авербуха перестали упоминать до смены государственного устройства», – из вступительной статьи «Творческий путь Якова Авербуха» Людмилы Тома.

«Совершенствовал свое мастерство по велению сердца»

Внимание художника привлекала не только красота ландшафта родного края, и ее жителей, но и признаки жизни его любимого города Кишинева в послевоенные годы.

В ранних зарисовках художник использовал преимущественно карандаш, уголь, сангину. С годами Яков чаще менял грифель на тушь, чернила, фломастер, и его рисунки становились менее детальными. Портретные образы у Авербуха всегда жизненно убедительны, и не только выявлением индивидуальных черт облика. Художник улавливал свойства характера и душевное состояние человека даже в зарисовках репортажного характера, которые воспроизводились в газетах.

Особое место в творчестве Якова Авербуха занимает станковая живопись — его давнее увлечение, не связанное с заказами. Даже в тяжелые послевоенные годы при всей своей занятости он выкраивал часы, чтобы писать масляными красками.

В этюдах Яков Авербуха передается неспешная жизнь окраин Кишинева, где нередко пасутся козы, коровы. С особой любовью написаны сельские пейзажи, часто это берега Днестра, домики среди деревьев.

Свежесть колорита, присущая работам Якова, не характерна для молдавской живописи 1940–1950-х годов: тогда такой путь расценивался как пресловутый «формализм», как «груз прошлого».

«Всё, за что брался отец, начинало его увлекать, отдача всегда была полной, независимо от важности заказа. “Яша-работяга” — так звали его все коллеги, общавшиеся с ним. Многочисленные художественные советы, комиссии, принимающие работы, и критика, не всегда справедливая, лишь способствовали его профессиональной ответственности. Вместе с тем папа не переставал рисовать для себя, где бы ни был, — на собраниях, в поликлинике, на вокзале, в поезде. С ним всегда был маленький блокнот для зарисовок. Крестьяне, старики и дети, пейзажи, животные — всё привлекало его цепкий взгляд, замечавший характерные особенности. Папа совершенствовал свое мастерство по велению сердца. И пополнял свое образование, изучая старых мастеров и современных художников. Регулярно приобретал книги по искусству и собрания сочинений писателей, библиотека в доме росла с каждым годом», — из воспоминаний старшего сына Авербуха.

В 1990 году Яков с семьей репатриировались в Израиль. После переезда Авербух не писал маслом, но выполнил ряд пейзажей, используя карандаш, пастель и оберточную бумагу. Там он работал в редакции газеты на русском языке, создавая иллюстрации, карикатуры, шаржи. Вместе со старшим сыном он оформил интерьеры трех синагог, включая резьбу по дереву, стенную роспись и другие работы.

Его 70-летие отметили в 1992 году персональной экспозицией в выставочном зале Союза художников Израиля, на которой наряду с произведениями молдавского периода были представлены и новые. Часть своих работ художник подписывал «Яков Аш» в память о своем отце-актере. Яков Авербух скончался 17 сентября 1998 года в Герцлии.

Подробнее о творчестве и работах Якова Авербуха можно почитать в научной статье "Малоизвестные произведения Якова Авербуха". Она же стала источником фотографий и большей части информации в материале.

Источники: "Малоизвестные произведения Якова Авербуха", Chișinău, orașul meu

Запись Родом из Молдовы: Яков Авербух – художник, который оформлял в Молдове все – от книг до города в праздничные дни впервые появилась Locals.

В новом Local Artist рассказываем о художнике, чьи работы отражают молдавский бытовой колорит: начиная со смеси языков, заканчивая специфическими вещами из детства, которые поймет только тот, кто жил в Молдове. Свои ответы Дорин просил не переводить на русский, и вопросы не преводить на румынский.

Расскажи о себе: как тебя зовут, сколько лет, откуда ты и чем занимаешься?

Mă numesc Dorin Calcavura și am 21 de ani. Am trăit în Chișinău (peste gard de piața «Locomotiv») apoi în Hrușova, Criuleni. Sunt student la specialitatea «Design Industrial». Creez în diferite medii: picturi, animație, sculpturi, ilustrații, afirmații.

Как давно ты занимаешься творчеством и когда появился к этому интерес?

Eu de mic desenam doodles și îmi placea să fac postere la școală. Nu am educație artistică. Tata m-a învățat Photoshopul și am început să fac colaje. Îmi placea să privesc filme și să studiez viața regizorilor. Să privesc videouri despre cum se produce arta. Cum e descrisă și clasificată.

Aveam multe concepte în cap dar nu aveam skilluri pentru a le face. Și am început să învăț pe YouTube aplicații. În 2023 am început să fac artă și să postez pe instagram.

Când îmi materializez ideile mă simt liber.

В каком стиле твои работы и что ты изображаешь?

Nu am un stil specific. Îmi place să experimentez cu medii și materiale noi. Lucrările mele sunt mai mult unite de motivele despre care îmi place să vorbesc și sunt importante pentru mine.

Чем ты вдохновляешься?

Scene ce le văd când mă plimb, dialoguri random, Biblia, filme, muzică, copilăria mea, podcasturi, lucruri ce le observ în cultura noastră și îmi par amuzante. Am observat că cele mai bune lucrări ce le-am făcut sunt condiționate de iubire iar cele ce ajung să le arhivez – de emoții negative. Cred că artiștii sunt responsabili de ceea ce crează, pentru că din mulțimea de concepte ce le avem în cap noi decidem pe care să le materializăm sau nu.

Și trebuie să fim atenți la ce consumăm, pentru că influențează modul în care producem artă.

У тебя уже были выставки? Или может подумываешь о том, чтобы провести?

Aș vrea să am expoziții dar uneori îmi pare că lucrările ce le fac acum pot trezi emoții la un număr destul de mic de oameni pentru că vorbesc despre lucruri prea specifice. În viitor cred că voi face lucrări mai accesibile. Sau nu.

Можешь назвать какую-то значимую, любимую или важную работу/может серию или целый проект?

Câțiva ani în urmă erau populare video-slideshow-uri cu estetica dreamcore/ liminal space/ kidcore /traumacore. Imagini ce trezeau emoții de nostalgie persoanelor ce au copilărit în anii 2000 în Statele Unite și alte țări ce erau atunci mai dezvoltate. Dar în Moldova acei ani arătau diferit. Și eu voiam să creez un astfel de video-slideshow ce îmi va aminti de copilăria mea și va include lucruri specifice ce eu le vedeam când veneam în sat la rude.

 

Посмотреть эту публикацию в Instagram

 

Публикация от Dorin Calcavura (@dor4kesque)

Am generat singur imaginile în Stable Diffusion pentru a controla mai bine procesul și astfel imaginile arată mai «dreamy». Dacă scrii în prompt «Moldova Childhood 2000» sau alte cuvinte generale, inteligența artificială generează imagini la fel de generale. Deasemenea când generezi poți include cuvinte pentru «negative promt», lucruri ce NU ai dori să le vezi în imagini.

«La început a fost cuvântul», și pentru a crea imagini ce arătau ca amintirile mele, am fost nevoit să-mi deconstruiesc amintirile în cuvinte. Cuvinte exacte și specifice pentru că AI-ul e obiectiv și exact atât timp cât știi cum să te exprimi și să-ți formulezi gândurile.

Eu am avut o copilărie foarte frumoasă, dar dacă vorbim de partea vizuală, de lucrurile ce eu le vedeam în jurul meu, nu era totul așa delicat.

Și destul de mult timp mi-a luat până am înțeles ce cuvinte trebuie să folosesc pentru a-mi reconstrui amintirile: poor, primitive, chaos, destroyed, second-hand clothes, red faces, ugly. Iar la negative promt – «beautiful, rich, delicate, America, China, India, Russia».

Doar așa am ajuns la casa străbunicului meu. Doar folosind astfel de cuvinte generam imagini familiare. Și am început să înțeleg mai bine în ce mediu m-am dezvoltat. În limba rusă este un cuvânt frumos «хтонь». Noi fugim de el, credem că dacă îl ignorăm și nu-l recunoștem el va dispărea. Dorim sa părem «glamour» și încercăm să ne regăsim în alte culturi și estetici cu care nu avem legătură.

Dar aceste lucruri ne-au format. Acceptându-le, înțelegem cine suntem și învățăm cum să ne acceptăm pe noi înșine. Să înțelegem oamenii din jurul nostru. Eu încă sunt în proces.

У тебя много работ, в которых ты изображаешь, смесь русского и румынского в речи молдаван. Как ты к этому относишься? И что ты думаешь о постоянных культурных и языковых «войнах»?

Vorbesc atât în română, cât și în rusă. Consum mai mult content in rusă și engleză dar vorbesc mai mult în limba română. Eu fac artă despre lucruri specifice țării noastre iar problema limbii e unul din cele mai evidente și nu pot să o ignor. Sunt mulți oameni în Moldova ce până astăzi nu știu în ce limbă vorbesc. În plus, din dorința de a le face la toți pe plac apar inscripții și momente amuzante.

Limbile sunt într-un proces continuu de schimbare și ar fi absurd să ne certăm din cauza lor. Cred că problema limbii trebuie tratată cu ironie și să nu lăsăm ca această problemă să ne strice relațiile.

Можно ли приобрести твои работы или заказать что-то индивидуальное?

La moment nu vreau să vând nimic. Eu fac lucrări personale și mi-e greu să mă despart de ele.

Есть ли какие-то планы на будущее в плане творчества? Может уже сейчас есть проекты в разработке или новые сотрудничества?

Vreau să fac lucrări din metal. La moment învăț Alias Autodesk. Vreau să pictez mai mult și pe formate mai mari. Să pictez chestii drăguțe fără concept în spate.

Следить за работами Дорина

Запись Local Artist: художник Dorin Calcavura о своем творчестве, вдохновленном молдавской реальностью впервые появилась Locals.

В Moldeco проходит выставка «Glas de dor» проекта FRUMIART. Это прекрасное творческое сотрудничество двух талантливых художниц Ольги Илиеш и Мэдэлины Унгуряну, которые решили не ограничиваться стенами своей мастерской и вынести работы на публику.

«Glas de dor» – это первая совместная выставка девушек. В прошлом году они сотрудничали вместе в рамках персональной выставки Мэдэлины «Viscum radix», где Ольга выступила куратором.

Мэдэлина увлекается растениями и их сушкой, поэтому, когда Ольга познакомила ее с техникой высокой печати, они решили объединить свои силы и создавать работы для FRUMIART. Frumiart – это сокращение от слова «красивый». Художницы создают красоту – больше, чем просто работы, больше, чем растения, потому что они объединяют их и в итоге получают эмоции и утонченность. Маленький арт-бизнес с большой мечтой.

«Любовь к красоте подтолкнула нас к созданию чего-то большего вместе. Чтобы распространить нашу страсть дальше через работу, которую мы создаем для вас. Почти год мы ежедневно работаем над нашей мечтой, рожденной мыслью о красоте. Каждый день мы упорно трудимся, чтобы воплотить ее в жизнь, и гордимся этим».

Мэдэлина отмечает, что у них нет конкретной любимой работы, потому что они все – их «дети». Но благодаря одной из коллекций родилась идея для выставки, которая получила название «Glas de dor», по имени главной работы.

«Она олицетворяет всех нас, кто носит в сердце тоску. Речь идет о дереве, под кроной которого спрятаны все наши желания и все эмоции, которых мы жаждем. И глядя на эту работу, люди превратятся в ребенка, которым они были в детстве, и снова почувствуют себя маленькими. Они почувствуют, что время остановилось, и на секунду ощутят вечность. Каждое растение, которое увидят посетители выставки, напомнит им о детстве, пробудит чувство тоски».

Обе девушки выросли в сельской местности, поэтому их вдохновляют моменты из детства. Растения, природа и эмоции играют очень важную роль в проекте FRUMIART. Это их главный источник вдохновения – воспоминания о детстве, которые тесно связаны с деревней, родителями, бабушками и дедушками. Каждая отдельная работа выверена в деталях природы, в любви и страсти к творчеству.

«Это послания и призывы к публике, которая следует за нами и посещает выставку, остановиться в этом современном и напряженном ритме, чтобы созерцать природу. Соединиться со всей неподвижностью и покоем, которые несет в себе природа. Найти тишину, понаблюдать за сумерками, послушать шорохи. Чтобы позаботиться о своем внутреннем ребенке. Идеальный симбиоз искусства и природы. Это наш уникальный способ увековечить цвет, чувства и эмоции».

Растения для работ Мэдэлина собирает летом в поле или в саду своего дедушки. Затем сушит их, как гербарий, а потом их используют для создания уникальных композиций с помощью техники высокой печати. Техника высокой печати, используемая с засушенными растениями, – это один из определяющих элементов выставки и представляет собой стиль или технику, относящуюся к сегменту «графика». Она выполняется с помощью старого инструмента. Он сейчас не очень распространен, поэтому практически передается из поколения в поколение. Благодаря такому симбиозу работы приобретают иную, уникальную ценность, ведь они создаются в единственном экземпляре.

 

Посмотреть эту публикацию в Instagram

 

Публикация от @frumiart

«Поскольку техника, которую мы используем, более старая и необычная, нужно знать, как с ней обращаться. Это немного затяжной процесс, потому что мы с Ольгой не можем создать работу, пока я не удостоверюсь, что летом у меня есть все необходимые растения. Зимой я не могу их найти. Летом я их сушу, и есть несколько шагов, которые, как мне кажется, делают этот процесс более специфическим, уникальным. Узор очарователен, вы не можете создать одну и ту же работу дважды. Поэтому их еще называют монопринтами – это один отпечаток. «Монопринт» – это термин, который уточняет, что каждая созданная работа «маркирована».

Работы FRUMIART можно приобрести. Все картины на выставке созданы для того, чтобы попасть в дома людей. Ведь у каждого произведения есть свое настроение, которое может найти отклик у того, кто захочет иметь его дома.

Индивидуальные работы, на заказ, художницы не делают – они работают в своем ритме и отталкиваются от своего собственного вдохновения. Но они всегда открыты для сотрудничества. В будущем девушки планируют проводить больше выставок, но в более медленном темпе, потому что Frumiart – это красота, а красоту нельзя торопить. Поэтому следите за работой художниц в их социальных сетях.

Выставку «Glas de dor» можно посетить до 27 апреля в Moldeco, bd. Moscova, 14/1. С понедельника по пятницу – 9:00-18:00, в субботу – 9:00-16:00).

Instagram Frumiart
Instagram Ольги
Instagram Мэдэлины

Фото: социальные сети Frumiart

Запись Frumiart – творческое сотрудничество, которое объединяет в себе природу, эмоции и воспоминания из детства впервые появилась Locals.

15 марта 2024 года в Германии, город Фихтах, открылась мультимедийная выставка четырех художников из Молдовы – Валентины Аркади (керамика), Виктории Тону (ювелирное искусство), Виктории Випрада (фотография/инсталляция) и Карена Григоряна (мультимедиа) – «Resonances».

Выставка состоит из четырех комнат, две из которых – классические выставочные залы, где представлены скульптура, украшения и фотографическая серия. Две другие – Dark Immersive rooms. В одной зритель получает интерактивный опыт от аудиовизуальной инсталляции Карена Григоряна, а вторая комната с инсталляцией – точка слияния работ всех художников, которая позволяет медитативно погрузиться в пространство.

В начале осени 2023 года с предложением организовать выставку к художникам обратилась Анна Вайс, которая более 15 лет назад переехала из Молдовы в Баварию и помимо своей основной деятельности активно помогает художникам из родной страны представлять себя и на Европейской культурной сцене. При ее содействии муниципалитет города Фихтах рассмотрел портфолио художников и пригласил их реализовать совместный проект в культурном пространстве города, здании 1524 года Altes Rathaus.

«Будучи глубокими поклонниками друг друга, мы решили, что в рамках этого проекта каждый из нас будет иметь свободу для исследования своих художественных тем. В то же время сама форма «Resonances» – это метафора, раскрывающая глубокую эмоциональную и интеллектуальную связь между индивидом и искусством, превосходящая простую вибрацию и частоту. Работа с личными наработками каждого, а также создание нового, было нашим общим делом последних четырех месяцев», – рассказывает Виктория Випрада.

Выставка «Resonanses» предлагает зрителям погрузиться в исследование утонченных взаимодействий между искусством, культурой и человеческим опытом. Работы Валентины Аркади и Виктории Тону были вдохновлены богатой историей и культурным наследием Кукутени-Трипольской цивилизации, расцветавшей в северо-восточной части современной Молдовы, Румынии и Украины. Результатом их сотрудничества стала серия произведений, в которых прошлое соединяется с настоящим через эксперименты с различными материалами.

Фотографическая серия Виктории Випрада находится в активном диалоге друг с другом и с окружающими скульптурными объектами. Фрагментарные изображения природных ландшафтов и металлических конструкций переплетаются с частями тела, переходя от конкретного к абстрактному, от органического к неорганическому. Изображения тела, на вид измененные или отсутствующие, подчеркивают аномальность этого объединения, создавая «визуальный мост» между скульптурой и новыми медиа.

Работа Карена Григоряна – живое реагирующее полотно, способное изменяться и эволюционировать в ответ на прикосновение и движение, создавая динамичный и постоянно меняющийся узор аудиовизуальной обратной связи.

Взаимосвязь, подчёркнутая на выставке, выходит за пределы исключительно художественной сферы и охватывает более широкий спектр человеческого опыта.

Выставка будет открыта 2,5 месяца – до 29 мая. Часть команды художников вернется в мае на финисаж.

Художники выражают благодарность всем, кто помог организовать и провести выставку:
Алина Тулум – графический дизайнер проекта,
Дмитрий Береговой – технический суппорт и репортажные фотографии,
Светлана Почумбян – сопроводила исчерпывающей документацией для транспортировки всего проекта из Молдовы в Германию,
@innovatemoldova – спонсировали транспортировку проекта в оба конца.

Подробнее об артистах:

Валентина Аркади

Валентина окончила Факультет прикладного искусства Государственного университета «Ион Крянгэ», специализируясь на керамике. В своей студии в столице Молдовы, Кишиневе, она создает скульптуры и посуду, а также преподает искусство керамики. Работы Валентины воплощают в себе гармонию, баланс и красоту природы в ее чистых и ясных формах. Ее работы были выставлены в различных галереях по всему миру, включая Австрию, Соединенные Штаты Америки, Румынию и Швейцарию.

Сайт
Instagram

Виктория Випрада

Виктория Випрада – признанный визуальный художник, работающий с художественной фотографией, видео и инсталляциями. Она базируется в Кишиневе, Молдова, и является членом Союза художников Республики Молдова. В 2023 году ее наградили Государственной премией в области визуальных искусств. Художественное внимание Виктории сосредоточено на темах интимности, тактильности, природы, присутствия и ностальгических воспоминаний. В качестве художественных методов она использует личные переживания, коллекционирование и сотрудничество.

В художественном сообществе художница известна своей способностью объединять различные творческие средства в рамках одной темы и в одном пространстве, а также реализовывать свои проекты в виде фотокниг, где изображения превращаются в визуальную поэзию. Работы Виктории были представлены в Национальном Музее Искусств Молдовы, а также на выставках и художественных фестивалях в Румынии, США, Швейцарии, Германии, Португалии, Италии, России, Англии и Франции.

Instagram

Виктория Тону

Виктория Тону – ювелирный дизайнер, в настоящее время живущая между Румынией и Испанией. В 2013 году Виктория окончила Факультет междисциплинарного искусства и дизайна в Хаддерсфилде, Великобритания, и основала свою ювелирную марку – VIKA TONU. Она продолжила свое обучение устойчивым материалам в Школе современного ювелирного искусства ALCHIMIA во Флоренции, Италия и стала сертифицированным геммологом после окончания Румынского геммологического центра в 2018 году. Виктория верит в силу ручного объекта, пропитанного символикой и эзотерикой, который становится тотемом, направляющим, напоминающим, укрепляющим и защищающим.

Ювелирные изделия Vika Tonu присутствовали на важных национальных и международных мероприятиях и выставках, среди которых: Всемирная организация интеллектуальной собственности - Женева, Romanian Design Week, Romanian Fashion Week, Vienna Design Week, London Fashion Week– International Fashion Showcase 2015 (награждена специальным упоминанием за 'Лучшего дизайнера'), Moldovan Design Week, AUTOR Contemporary Jewelry Fair, а также в галереях во Франкфурте, Антверпене, Ибице и Бухаресте. В 2021 году бренд был включен в престижный HOMO FABER GUIDE, в котором представлены рекомендуемые мастера Европы, под редакцией Фонда Микеланджело по творчеству и мастерству, Швейцария.

Сайт
Instagram

Карен Григорян

Карен Григорян – мультимедийный художник из Молдовы, чьи интерактивные аудиовизуальные инсталляции являются результатом поиска гармоничного хаоса. В своих проектах он создает пространство, где зрители становятся участниками возникновения неизвестного.

В своей работе он исследует методы, освобождающие его от рамок логической формулировки, стремясь запечатлеть искренность непосредственного опыта. Эти методы воплощаются в органической связи между представленной формой и личной интерпретацией зрителя.

Карен самоучка с увлечением к психологии и философии. Он ищет интуитивные подходы к саморазвитию, активно участвуя в различных проектах и сотрудничестве. Эти начинания служат платформой не только для воплощения его видений, но и для практического обучения и открытий.

Работы и сотрудничество Карена были представлены на Dutch Design Week (2022), в Национальном музее изобразительных искусств и Национальном историческом музее Молдовы, и были удостоены награды в Международном конкурсе, организованном ITER VITIS и Финикийским маршрутом.

Сайт
Instagram

Фото: из личных архивов художников

Запись В Германии проходит мультимедийная выставка художников из Молдовы впервые появилась Locals.