Пабло Пикассо считается одним из самых дорогих художников в истории: его работы на аукционах нередко продаются более чем за 100 миллионов долларов. Однако теперь стать владельцем произведения мастера ХХ века можно без миллионов — достаточно купить лотерейный билет за 100 евро.

Французский Фонд исследований болезни Альцгеймера объявил о розыгрыше портрета Пикассо 1941 года Tête de femme («Голова женщины»), рыночная стоимость которого превышает €1 млн. Все средства от продажи билетов будут направлены на финансирование научных исследований болезни Альцгеймера — одной из ведущих причин смертности и инвалидности в мире.

Проект получил название «1 Пикассо за 100 евро» и, по словам внука художника Оливье Пикассо, не имеет аналогов. Он отметил, что эта инициатива логично продолжает гуманитарное наследие его деда.

Мой дед был щедрым человеком, но не афишировал свою помощь. Он поддерживал семью, друзей, людей, оказавшихся в беде — во время гражданской войны в Испании, Второй мировой войны и после неё. Поэтому для меня этот проект — естественная часть его наследия, — рассказал Оливье Пикассо в интервью The Guardian. Он также выразил надежду, что подобные розыгрыши удастся проводить ежегодно.

Идея благотворительной лотереи принадлежит французскому телепродюсеру Пери Кошен, владелице компании Waww La Table. Она вдохновилась опытом своей матери, которая использовала лотереи на благотворительных мероприятиях.

Я подумала, почему бы не сделать международный розыгрыш с онлайн-продажей билетов? И если выбирать произведение искусства, то самое громкое имя — это, конечно, Пикассо, — объяснила Кошен.

Она обратилась к Оливье Пикассо, с которым дружила с детства. После одобрения со стороны семьи художника и управляющих его наследием, из галереи Opera была выбрана работа 1941 года. Галерея получит почти €1 млн после проведения розыгрыша.

Мы привыкли слышать о Пикассо в контексте рекордных аукционов, но это первый случай, когда его имя напрямую связано с масштабной благотворительностью, — подчеркнула Кошен.

По словам Оливье Пикассо, семья сразу поддержала проект, особенно учитывая его цель. Болезнь Альцгеймера неизлечима, и пока не существует терапии, способной остановить или обратить её развитие.

Сегодня мы живём дольше, и всё больше людей — мы сами или наши близкие — сталкиваются с этим заболеванием. Я знаю, насколько это тяжело, — отметил он.

Организаторы планируют продать 120 тысяч билетов и собрать около €11 млн на исследования. Розыгрыш состоится 14 апреля в парижском аукционном доме Christie’s. Если необходимое количество билетов продано не будет, все участники получат полный возврат средств.

Оливье Пикассо также рассказал, что Tête de femme была написана в той же мастерской на левом берегу Сены, где художник работал над «Герникой». По его словам, это был сложный период: развод с первой женой так и не состоялся из-за отмены закона о разводах при режиме Франко, а Париж находился под нацистской оккупацией.

Цветовая гамма картины более мрачная — много коричневого, чёрного и серого. Это красивый образ женщины, но с характерным для Пикассо напряжённым настроением. Он хранил эту работу как память о том времени, — пояснил внук художника.

Пери Кошен уже проводила два подобных розыгрыша — в 2013 и 2020 годах. В общей сложности тогда удалось собрать более €10 млн. Первым победителем стал 25-летний Джеффри Гонано, получивший рисунок Пикассо стоимостью €860 тыс. Некоторое время работа экспонировалась в музее Питтсбурга, а затем была помещена на хранение в Christie’s в Нью-Йорке.

Во второй раз обладательницей картины Пикассо 1921 года стоимостью €1 млн стала бухгалтер из Италии Клаудия Боргоньо — билет ей подарил сын на Рождество.

Она до сих пор хранит картину и говорит, что эта победа изменила её жизнь. Это по-настоящему красивая история, — добавила Кошен.

Запись Картина Пикассо за €1 миллион разыгрывается в благотворительной лотерее — билет стоит €100 впервые появилась Locals.

Работы художника выставляются в музеях, художественных лицеях, библиотеках и на городских фестивалях. Но это сухие факты. Они не объясняют, как человек, много лет служивший в силовых структурах, стал теологом и художником, который создает на холсте миры, где ангелы, люди, музыкальные инструменты и песочные часы складываются в один большой пазл его жизни.

Locals.md поговорил с Василием Чурарем, чтобы понять, как в одном человеке уживаются силовик, теолог и художник.

Все началось вон с того ангела! Это была моя первая осознанная работа. Я верю, что у каждого человека есть свой ангел, который влияет и даже определяет многие события в жизни. Ангелы — частые герои моих картин. Они соединяют разрозненные фрагменты моего пути в единое целое. Эти фрагменты — будто несущие конструкции здания жизни. Через картины я пытаюсь собрать их в единый пазл.

Сколько себя помню, меня всегда тянуло рисовать. Мама это заметила и отдала меня в художественную школу в Оргееве. Днем — обычные уроки, три раза в неделю — мольберт и краски. Тогда и появилась эта двойная сплошная моей жизненной траектории. Я художник и я же серьезный парень, штудирующий точные науки. Честно говоря, я все еще в пути и все еще познаю себя.

Детство у меня связано с Оргеевым и грибами. Мы жили рядом с лесом и часто ходили туда за ними. Поэтому, когда в моих работах появляются грибы, это всегда из детства.  Иногда я просто рисую и вдруг понимаю, что здесь обязательно должны быть грибы.

С распадом Союза поблекли и мои мечты об искусстве. Казалось, ну какие перспективы у художника. Да и взрослые убеждали, что на картинах не заработаешь. В общем, поступил в серьезный политех в Кишиневе — на автотранспорт. Выучился, устроился в центральный гараж МВД. Работал неплохо и быстро стал начальником. Но жизнь снова повернула в другую сторону.

Знакомый поступал в полицейскую академию и уговорил меня подать документы с ним заодно. Так закончилась, едва начавшись, моя карьера в автотранспорте. Я поступил в академию и получил второе высшее — юридическое. Устроился в полицию. Работа нравилась, карьера снова пошла в гору. Однако служба в правоохранительных органах — это постоянное напряжение, строгая дисциплина и бесконечное изучение законов. В какой-то момент я понял, что меня снова тянет к творчеству. Как-то я взял кисти и карандаши, чтобы просто расслабиться, и втянулся.

Днем я был полицейским, вечером писал картины. Сначала пытался копировать известных художников, но быстро понял, что это не мое. Тогда начал экспериментировать с графикой. Это оказалось увлекательно — и я продолжил. Служба занимала все время, но рутина начала отступать. Я знал, что вечером меня ждет мир, который я создаю сам при помощи плавных, прямых и иногда несуразных линий, из которых рождается целая вселенная моей души.

Мои главные цвета — черный и белый. В них удивительно много оттенков! Чаще рисую карандашами. Иногда понимаю, что для акцента или важной детали нужен яркий цвет. Но черно-белая гамма для меня все равно основа.

Вот, например, моя картина, на ней изображены книга и лампочка. Все вроде просто: учение — свет. Но книга олицетворяет мою жизнь. Я читаю ее как бы со стороны. Маленькие человечки вокруг — мои мысли. Они лезут внутрь текста, копаются в строках, возвращаются к прошлым страницам, ищут смысл там, где он уже, казалось бы, был найден.

Музыка — это язык, на котором вселенная говорит с человеком. А мелодии, которые люди записывают в ноты, будто сохраняют этот разговор — передают его дальше, из поколения в поколение. Поэтому в моих картинах часто появляются музыкальные инструменты. Я много слушаю классику и иногда сама подбираю соло на гитаре. И каждый раз убеждаюсь: вселенная говорит с нами всегда — стоит только прислушаться.

Когда пишу картину, то буквально живу в ней. Это не метафора. Каждый элемент появляется через личное переживание сюжета. Вот, например, картина с песочными часами. Говорят, они похожи на сердце. А два белых шара внутри появились спонтанно. Когда работа была почти готова, я вдруг почувствовал, что мне не хватает в ней воздуха. Добавил эти два шара — и в картине появился кислород.

В картине, как и в кино, художник не всегда знает финал. Сюжеты приходят сами — будто всплывают из глубины сознания. Сначала делаю пару набросков, фотографирую их на телефон. Потом пересматриваю по дороге на работу, во время обеда, на прогулке. Линии еще расплывчатые, но в какой-то момент проступает новая деталь, интрига, поворот. Так картина постепенно обрастает смыслами.

Мои картины иногда сравнивают с работами голландского художника Маурица Корнелеса Эшера. Хотя о нем я узнала уже тогда, когда у меня была своя коллекция работ. Эшер изображал фигуры так, будто они существуют в трехмерном пространстве, оставаясь при этом на плоскости. Возможно, сходство и есть. Пусть те, кто приходит на мои выставки, сами решают и ищут собственные смыслы

Мама узнала, что я вернулся к искусству, из новостей. По телевизору показали сюжет о моей выставке, которую организовали прямо в фойе Молдавской телерадиокомпании. Она, конечно, обрадовалась. Брат сначала присматривался, а теперь не пропускает ни одной моей выставки.

В мире искусства жесткая конкуренция. Поэтому я туда особенно не стремлюсь. Новичков часто критикуют лишь за то, что они делают что-то неформатное. Возможно, это страх, что они могут затмить именитых мастеров. Такая реальность — впрочем, едва ли это новость

Художественные галереи тоже нередко смотрят на новичков с недоверием. А если и обращают внимание, то часто на первом месте оказывается желание заработать. В этом нет ничего плохого, но мне ближе те площадки, где интересуются новым — художественным, а не только финансовым

Персональные выставки — момент, когда работы художника становятся интересны не только ему, но и людям вокруг. Мои картины выставлялись в «Телерадио-Молдова», в «Национальной библиотеке», а также на различных фестивалях в Молдове. Последняя выставка прошла в лицее творчества и изобретательности «Прометей–Прим». Общение с юными художниками, которые смотрят на мои работы нестандартным взглядом и задают необычные вопросы, запало в душу. Они учатся у меня, а я — чему-то у них.

Для многих я по привычке полицейский. Из-за этого не сразу верят, что я еще и рисую. А потом — выставка, и отношение меняется: люди словно заново меня открывают. Часто спрашивают, о чем мои работы, но еще чаще находят в них собственные смыслы. И когда в картине оказывается больше, чем я сам туда вложил, понимаешь, что все не зря.

Я руковожу службой безопасности в одном из торговых центров Кишинева — не самая очевидная должность для художника. Из силовых структур я, по сути, никогда не уходил. У этой работы тоже много плюсов: она приучает к дисциплине, порядку и ответственности — к себе и к другим. И все же внутри я больше чувствую себя художником, чем силовиком.

Я еще и теолог. Могу работать священником если сложатся обстоятельства. Недавно окончил магистратуру Кишиневской духовной академии. Но шел туда не за этим — хотел глубже понять Священное Писание и приблизиться к Богу. Это обучение стало для меня важным опытом и помогло духовно вырасти. Недавно побывал в паломничестве на Афоне — это было сильное переживание, которое я до сих пор ношу в себе.

Я не верю в искусственный интеллект в искусстве. Он может копировать, подражать, выполнять команды. Но творчество держится на живых эмоциях, а они недоступны машинам. Хотя кто знает — возможно, однажды все изменится.

Что в моем творчестве молдавского? Да все. Дороги, леса, грибы, паутина, ангелы, люди — это и есть моя Молдова. Мой дом, моя родина, мое место силы. Все, что я рисую, так или иначе родом отсюда.

  Галия Ибрагимова

Запись «Для многих я полицейский, но все же больше я художник». Василий Чурарь — молдавский художник с прошлым силовика впервые появилась Locals.

Полотно под названием «California (IKB 71)», размером около четырёх на два метра, является крупнейшей монохромной работой художника, находящейся в частной коллекции, отметили представители Christie's.

Ив Кляйн, умерший в 1962 году в возрасте всего 34 лет, запатентовал особый оттенок ультрамарина, который сам разработал. Этот насыщенный синий цвет он назвал «International Klein Blue» (IKB) — «Международный синий Кляйна».

По словам художника, каждая из его монохромных работ уникальна и обладает собственной «атмосферой и сущностью».

Картина «California» была написана в начале 1961 года — незадолго до первой и единственной поездки Кляйна в США, где прошли его дебютные выставки в Нью-Йорке и Лос-Анджелесе.

Поверхность полотна украшена мелкой галькой, что, по словам Christie's, создаёт ощущение «морского дна под синими глубинами океана».

Ранее, в 2013 году, на аукционе Sotheby’s в Нью-Йорке скульптура Кляйна «Sculpture éponge bleue sans titre» — композиция из окрашенных в синий губок на металлическом стержне — была продана за 22 миллиона долларов, установив тогда рекорд для работ художника.

Сам Кляйн объяснял, что вдохновился этой работой, наблюдая за тем, как окрашенные в синий губки, которые он использовал в мастерской, отражали его любимый цвет.

Запись Монохромную картину французского художника Ива Кляйна продали в Париже за 18,4 млн евро впервые появилась Locals.

В Германии картины двухлетнего Лорана Шварца начали продаваться по 6500 евро. Об этом сообщила газета The Times.

Мальчик стал популярен среди коллекционеров, создавая абстрактные работы акриловыми красками. Взрослые считают, что его произведения отличаются от обычных детских рисунков.

Мама Лорана отметила талант сына осенью 2023 года во время отдыха в Италии. В отеле, где остановилась семья, была комната для рисования. "Мы не могли вытащить его оттуда", — рассказала она.

Лиза Шварц также сообщила, что к Рождеству оборудовала дома для сына художественную студию — теперь мальчик проводит там всё время. Лиза фотографирует его картины и выкладывает их в соцсети.

Творчеством Лорана уже заинтересовались более 30 тысяч подписчиков. Недавно его работы были представлены на художественной ярмарке Artmuc в Мюнхене, где вызвали интерес у коллекционеров из Великобритании и Багамских Островов.

Скоро картины двухлетнего художника могут появиться в галерее в Нью-Йорке. Представители галереи уже связались с семьей Шварц для обсуждения возможной выставки.

"Его абстрактные работы необычно сочетают различные фигуры. Это часто отмечают люди, и это делает его картины популярными", — пояснила мама мальчика.

Она добавила, что Лоран часто изображает на полотнах своих любимых животных — так же, как и многие дети. Особенно ему нравятся слоны, лошади и динозавры.

Лиза подчеркнула, что семья не зарабатывает на таланте ребенка. Все деньги от продажи картин родители переводят на личный счет Лорана. Он сможет воспользоваться накоплениями, когда достигнет совершеннолетия.

Запись В Германии картины двухлетнего мальчика покупают по 6500 евро впервые появилась Locals.

История этой идеи началась благодаря художнику Манфреду Лаберу, который предложил создать уникальный памятник к 1200-летию города Вемдинг в Южной Баварии. В этом городе довольно мало древних архитектурных сооружений, и их ценность не очень высока. Поэтому Лабер предложил запустить проект, который будут строить не одно, а множество поколений людей, и по задумке завершится в 3183 году. Это сооружение не будет иметь возраста и будет существовать вне времени, символизируя желание человека преодолеть время.

Художник, чья идея легла в основу этого проекта, умер в 2018 году. Однако, несмотря на его уход, городские власти Вемдинга решили создать Фонд "Пирамиды Времени". Этот фонд предназначен для финансирования и продвижения искусства и творчества, оставленных художником после его ухода из жизни.

Суть "Пирамиды Времени" довольно проста: это набор бетонных призм с сечением около 1 метра у основания и высотой 2 метра. Каждая призма весит около 6 тонн и размещается на равном расстоянии друг от друга в четыре яруса, причем по одной призме добавляется каждые 10 лет. Первый ярус сейчас еще "одноэтажный", но через 640 лет после начала стройки придется добавить второй этаж бетонных призм, а потом и другие части пирамиды. Как это сделать технически, Манфред Лабер оставил как задачу для будущих поколений.

Уже установлены первые четыре блока. Проект не накладывает жестких ограничений на материалы, облицовку или использование красок и герметиков. С одной стороны, сейчас нет точных решений, как сделать проект на 1000 лет, но с другой стороны, креативность и находчивость будущих строителей важны. Идея "Пирамиды Времени" заключается в том, чтобы каждое новое поколение смотрело на труды предшественников и добавляло свои новаторские решения, оставляя свой след для потомков.

Один из жителей города поделился, что он присутствует на каждой церемонии установки бетонного блока начиная с 1993 года. Это свидетельство того, как проект объединяет и вдохновляет жителей города на протяжении многих лет.

photo: lux.fm

Подписывайтесь на наши соцсети, чтобы быть в курсе всех новостей:

Запись В Германии воплощается в реальность проект «Пирамида Времени». Строительство займет около тысячи лет впервые появилась Locals.

Гобелен Марта Вельдхуиса "Собственная вина" был продан. Почти пятиметровая работа показывает жизнь студента с долгами.

Этой работой художник хотел выступить против кредитов на учёбу для студентов. Вельдхус получила высшее образование в 2021 году, и в итоге остался с долгом в размере 45 879,40 евро за полученное образование.

Работа «Собственная вина» продавалась ровно за столько сколько составлял его долг и за другую сумму художник её не продавал. В итоге это сработало!

Сам Вельдхейс с трудом верит в это. «Это, конечно, то, на что я надеялся, но когда я услышал эту новость, я действительно потерял дар речи. Это все еще кажется мне нереальным».

Покупателями гобелена стали Джок ван Вин и Яап Верстиг из Galatea Foundation.

«Это инновационный и визуально сильный продукт. Кроме того, нам очень импонирует остро-социальная тема произведения», — говорят новые владельцы гобелена.

Работу уже  сдали в долгосрочную аренду музею Дордрехта. Увидеть в этом музее её можно до 25 июня. После чего она отправится в другие галереи.

PHOTO, Killian Lindenburg

Запись Голландский художник продал за €45 879,40 свою дипломную работу — гобелен о жизни студента с кредитом на учёбу впервые появилась Locals.

Примечательно, что все работы в представленной экспозиции «Nori» («Облака») также называются «Nori» («Облака»). Вниманию посетителей — три десятка живописных работ акрилом, который также искусно сочетаются с пастелью. Некоторые из них были представлены на выставках в Париже и Бухаресте. «Для меня облака — это переживания, которые у всех нас есть на протяжении всей жизни», — подчеркнул художник.

Калин Стеджерян, генеральный директор Национального художественного музея Румынии:

«...В своей серии работ, собранных под общим названием «Облака», Андрей Чуботару акцентирует внимание на этом элементе неба над нами, совершенно оторвавшемся от состояния спутника пейзажа. Облако или облака становятся в его изображениях отдельными сущностями, которые художник выстраивает в ряд».

Андрей Чуботару родился в 1977 году. Является членом Союза художников Румынии с 2003 года (секция живописи).

Окончил Альтернативную школу «Стеллер» (1994—1995), а затем Университет Анкориджа (штат Аляска, США) (1995–1997), после чего стал студентом Национального университета искусств Бухареста (1998—2002 и 2002—2003). С 2009 года он имеет докторскую степень в области изобразительного искусства в Национальном университете искусств в Бухаресте, где с тех пор работает преподавателем.

У него было более 20 персональных выставок в Румынии и за рубежом, лауреат нескольких премий.

Выставка работает до 15 января 2023 года.

Автор: Лев Райзман

Запись В худмузее проходит выставка «Nori» румынского художника Андрея Чуботару впервые появилась Locals.

О выставке рассказывает сам автор:

«Куда бегут куницы — первая выставка из долгосрочного проекта "Музей моей памяти". Выставка представляет собой интерпретацию личного мифа, корни которого уходят к моим предкам со стороны отца, жившим в Кишиневе. Реальных вещей, принадлежащих им, почти не осталось, за исключением двух горжеток, нескольких предметов и фотографий. Остальное – смутные воспоминания и фантазии.

Все началось с пары горжеток – шкурок куниц в старинном целлулоидном пакете. Ради чего эти зверьки отдали свои жизни, зачем так долго хранили их шкурки? Горжетки увлекли меня в семейное прошлое и я узнал, что куницы проделали большой путь и оказались свидетелями многих событий. Обнаружилось, что история вещей удивительным образом отражается в человеческих судьбах.

О чем эта выставка?

Пара куниц и две сестры бегут от войн и смутного времени. С ними надежды и страхи, правда и ложь, факты и выдумки. Куда бегут куницы? О чем хотят рассказать? О неизбежности надвигающегося рока, о ностальгии по несостоявшемуся, об утерянном благополучии? Или о том, что мир меняется в тот самый миг, пока мы рассуждаем об этом.

Вместе с владельцами горжетки бежали в поисках лучшей доли. И сейчас, как и много лет назад, куницы снова бегут. Остановятся горжетки или им суждено бежать дальше?

Балансируя между «научным подходом» и догадками, я не обращаю внимания на возможные неточности. Мне важно создать убедительный образ; я порой уверен, что был свидетелем давних событий. Ценность представляют переживания, опыт и даже ложные воспоминания. В конце концов, что важнее – доказательства или предположения? Чему следовать – логике или интуиции? Моя роль определена: я не бесстрастный архивист, а участник событий.

Старинные предметы из "Музея моей памяти" экпонируются в упаковках. Визуальная доступность экспонатов сделает их узнаваемыми, но в то же время упаковка остаётся некой преградой.

Вновь созданные по памяти или по представлению объекты взаимодействуют со зрителем иначе – они ничем не защищены. Это тексты и изображения: репрезентации, копии, повторы. Взаимодействуя с артефактами, такие объекты образуют конструкты возможных вариаций.
Экспозиция создана так, чтобы зритель попал внутрь истории моей семьи в буквальном смысле. Тексты и изображения размещены на окнах выставочного помещения. Образы и тексты совмещены с той средой, где раньше существовали их прототипы: проходящий сквозь окна через изображения свет придаст последним особую одухотворенность.

Разные медиа – текст, живопись, фотография, видео, графика – включены в единую канву художественного повествования. В результате выявляется взаимодействие памяти, воображения и фантазии с реальными вещами и документами из прошлого.

Экспозиция была создана специально для Muzeul de Istorie a orașului Chișinau и, в свою очередь, может положить начало серии выставок. На основе личных коллекций возможно будет развить музейное направление, где историю Кишинева будут рассказывать сами жители. Ведь история города – это история его жителей.

Проект задумывался давно, был намечен на текущий 2022 год. Знали бы мы, что история о бегущих куницах станет актуальной... Теперь эта выставка посвящена беженцам из Украины и всем, кто пострадал и продолжает страдать от войны. Важно об этом говорить: война не должна становиться обыденностью. Это самое главное».

Игорь Щербина родом из города Измаил. В 1986 году окончил Республиканское художественное училище в Кишиневе и начал выставляться в Молдове. С 2002 года жил и работал в Кишиневе и Москве, активно участвуя в художественной жизни Молдовы и России. С 2022 года работает в сфере современного искусства и визуальных коммуникаций.

Следить за работами автора: facebook.com/artfazya

Выставка будет открыта до 30 ноября 2022 года. Адрес музея: ул. Матеевича, 60А.

Запись «Куда бегут куницы»: в музее Кишинёва открылась выставка Фази Игоря Щербины о семье, течении времени и войне, которая не должна становиться обыденностью впервые появилась Locals.

Работа Аллена называется Théâtre D’opéra Spatial («Пространственный оперный театр»). На ней изображены дамы в пышных платьях в зале с похожим на Луну иллюминатором, в котором виднеется залитый солнцем пейзаж. Картина победила в категории диджитал-арт.

Аллен создал рисунок с помощью текстового описания. По его словам, потребовалось несколько недель и больше ста попыток. В итоге получилось три подходящих изображения, которые Аллен улучшил с помощью Gigapixel AI и распечатал.

Американец считает награду заслуженной: он никого не обманул и подписал свою работу «Джейсон Аллен через Midjourney». Некоторые пользователи соцсетей раскритиковали победителя. По их мнению, искусственному интеллекту неэтично соревноваться с настоящими художниками.

Источник

Запись Американский художник выиграл конкурс с картиной, созданной нейросетью впервые появилась Locals.

В экспозиции представлены 15 работ, выполненых в период с 2019 по 2022 гг. в смешанной технике — акрил, темпера, масло, маркер, карандаш.

Александра Дончук о выставке:

«Мы одиноки, но наше "Я" переменчиво, спорно, способно развиваться и взаимодействовать с другими такими же "Я". Каждая работа это отдельная история, диалог с самим собой, "внутри" себя. Визуализация идеи всегда упрощает её восприятие, понимание. Как выглядит мой диалог с собственным "я"? В этом месте картины попробуют показать чувства, переживания, конфликты с помощью форм и цвета. Цель изобразительного искусства материализовать душу и рассказать о её переживаниях без слов. Этой выставкой я открываю тебе, моему зрителю, свою душу и надеюсь быть понятой. Твоё и мое внутреннее "Я" отличается, но значит ли это что мы должны оставаться одинокими?»

О художнице:

Дончук Александре 20 лет, она родилась в Кишинёве.

В 5 лет пошла в лицей им. Титу Майореску, а к 11 годам она поступила в художественную школу имени Щусева и уже точно знала что живопись станет главным делом её жизни. 4-хлетнюю программу художественной школы Саша закончила за 3 года, экстерном, получив базовые навыки и знания по рисунку, живописи, лепке и истории искусств. Сейчас она получает высшее образование в Санкт-Петербургской Академии (Высшей школе народных искусств), специальность церковно-историческая живопись. Несмотря на академическое образование, все картины художницы далеки от реализма.

Выставку можно увидеть до 3 сентября, ежедневно с 17:00 до 19:00. Адрес галереии: 31 августа, 137.

 

View this post on Instagram

 

A post shared by @reflexi.a

Запись В галерее Bunker проходит первая персональная выставка молодой художницы Александры Дончук впервые появилась Locals.

Мухи, как правило, считаются надоедливыми вредителями, которых нужно истреблять, но спорная художественная инсталляция с ультрафиолетовым светом, убивающим мух, вызвала гнев группы по защите прав животных PETA и вызвала жаркие дебаты о правах летающих насекомых.

Художественная инсталляция под названием «Сто лет (1990)», отмеченная наградами художника и предпринимателя Дэмиена Херста была недавно убрана из Художественного музея Вольфсбурга после того, как PETA подала жалобу, утверждая, что она нарушает Закон Германии о защите животных, который запрещает убивать или причинять вред животным без подобающей причины. Подпадают ли мухи под этот закон или нет, еще предстоит определить, но это решение уже вызвало споры в Германии.

«Убийство животных не имеет ничего общего с искусством, оно просто демонстрирует высокомерие людей, которые буквально не остановятся ни перед чем в своих интересах», — сказал Braunschweiger Zeitung Петер Хёффкен из PETA в Германии.

Представители музея, с другой стороны, сказали, что они не думают, что мухи подпадают под действие Закона о защите животных, добавив, что они спросят художника, согласится ли он заменить настоящих мух искусственными. Однако это, скорее всего, разрушит всю идею художественной инсталляции.

Первоначально обнародованная в 1990 году, «Сто лет» представляет собой комментарий к тому факту, что многие мухи умирают на открытом воздухе. Инсталляция состоит из прозрачного куба, разделенного на две области: в одной из них мухи, а в другой с потолка свисает ультрафиолетовая лампа. Мух привлекает свет, и всякий раз, когда они летят к нему через маленькое отверстие между двумя частями куба, они сгорают заживо. Херст описал произведение искусства как «жизненный цикл в коробке».

Примечательно, что в предыдущей версии скандальной арт-инсталляции фигурировала отрубленная коровья голова, которая привлекала мух.

Дэмиен Херст давно известен тем, что использует мертвых животных в своих провокационных произведениях искусства. По некоторым оценкам, он изобразил в своих работах около миллиона мертвых животных, большинство из которых были насекомыми.

Запись Немецкий музей убрал работу художника из-за того, что она нарушала права мух впервые появилась Locals.

В связи с этим в Кишиневе перформанс-артист устроил несколько эпатажных представлений. Всего художник провел три акции протеста.

Накануне он опубликовал текст, в котором объяснил суть своих перформансов:

История одного перформанса

«Привет. Я Родион Трофимченко. Я родился в Тирасполе, изучал психоанализ в Санкт-Петербурге. В 2003 году я переехал в Японию и получил степень доктора теории искусства. Я работал независимым куратором. Сейчас я занимаюсь разработкой "Gallery Neo Tokyo".

Меня давно тянуло к айкидо и искусству, но жизненные события и условия пандемии подтолкнули меня больше к духовной практике: йоге и медитации. Я начал изучать танец и стал применять на практике преображающую силу искусства. Я пересмотрела свой подход к галерее и решила расширить его до пространства, где люди могут через разные практики переходить на более высокий уровень существования, преображая себя. Я назвал его «Neo Tokyo Multiplex for Body-Mind Transformation». Он включает в себя пять разделов: Искусство, Философия/Психоанализ, Йога/Медитация, Танец Анкоку Буто и Техно-музыка.

Осенью 2021 года мой отец ушел из жизни. Он оставил мне дом в центре Кишинева. Я решил построить на нем первый "Gallery Neo Tokyo".

Я получил билет в один конец и начал строить. Тут же случилось что-то ужасное. Люди начали убивать друг друга. Мужчины, женщины и дети умирают, хотя могли бы жить. Многие потеряли свои дома. Многим пришлось бежать. Каждый день, наполненный страданиями и ложью. Боль пронзила меня. Я должен был выпустить это. Для этого у меня было искусство — японский танец Акоку Буто. Он может проводить боль и с ее помощью коснуться в человеке того места, где пульсирует осознание и вселенская любовь.

Буто возник в Японии в 60-х годах. Танцоры покрывают свои тела белым, чтобы стереть их черты. Медленными движениями и определенным состоянием ума они порождают движение, которое не просчитывается заранее и не определяется Эго. Буто создает отверстие в знакомой действительности, как отверстие в стене, из которой выпал кирпич, так что проявляется нечто универсальное — Истинное.

Занимаясь Буто, я стал выходить из «Родиона Трофимченко», из рамок своей личности. Я нашел Витальность за пределами слов, идентичностей, за пределами привязанностей, постоянно меняющуюся, в движении, в Танце. Я назвал его "Mark Birth". На моей бритой голове в самом центре сзади я обнаружил большое родимое пятно. В некотором смысле, это лицо Марка. Это знак рождения. Моя родимая метка гораздо больше похожа на настоящее Я, чем то, что в моем паспорте, не так ли? У тебя есть родимое пятно?

Марк вытащил меня на улицу. Он увидел место перед заброшенным отелем «Националь». Он сразу узнал в ней Сцену: место, пропитанное леденящей болью, где сила Любви вибрирует под готовой открыться трещиной.

Первый танец состоялся 7 марта. Для этого нет слов. Нас отвезли в психиатрическую больницу, где полиция установила, что преступления нет, а консилиум врачей - что это "искусство". Мы вышли на третий день с подтверждением того, что за каждой униформой стоит Человек.

Марк не успокоился на этом. Он позвал меня к тому же месту. Нас объединила боль и не дает покоя образ японского художника Дадакана, который в 1969 году, во время войны во Вьетнаме, ходил с простой надписью «Не убий». Мы сделали тот же знак, и Марк танцевал с ним. Он «бился головой» о «фундаментальную истину», выдавливая на поверхность то, что находится в центре бытия, и то, что делает человека человеком. Поймите, это вне аргументов. Это не может быть переиграно логикой. Спорить с этой истиной — значит расщеплять себя во всех регистрах существования. Не убивай!

На этот раз есть фотографии Олега Безердика. Я хотел бы поделиться ими с вами. Буто нельзя записать. Вибрации, которые он производит, можно пережить только здесь и сейчас. Тем не менее, я думаю, что в этих изображениях все еще есть Сила. Итак, я посылаю их вам. Я также подумал, что важно указать место, где вы можете укрепить свою связь с измерением, которое не позволит вам попасть в ловушку в собственной голове. Я также делаю это, чтобы указать на Буто, на Танец: те, кто танцуют, не убивают.  До следующего танца.

Мир!»

фото: Олег Безердик

Запись В центре Кишинёва перформанс-артист выступил с акцией против войны в Украине впервые появилась Locals.

На выставке представлены городские пейзажи: «Зимний пейзаж», «Осень», «Тени и деревья», «Простая причина», «После дождя», выполненные на пленэрах. Есть и новая серия работ с изображениями зданий Кишинёва: Музей истории города, Красная мельница, Церковь св. Феодора в Сихле, городская вилла Назарова и др. Эти работы хранят эмоции и воспоминания художника.

О художнице:

Ираида Чобану — пластический художник, доктор искусствоведения, профессор Теоретической высшей школы государственного учреждения «Ал. Иоан Куза», преподаватель факультета изобразительного искусства и дизайна УПС «Крянгэ». Обучалась в Школе изящных искусств «И. Репина» и на факультете изобразительного искусства и дизайна УПС «И. Крянгэ». Лауреат Гран-при выставки «Реквием», других наград выставок-конкурсов «Салоны Молдовы» (Кишинёв-Бакэу) и «Eminesciana». Имеет работы в государственных и частных коллекциях в Молдове и странах зарубежья (Германия, Израиль, Италия, Польша, Португалия, Республика Молдова, Румыния, Сербия, Испания, США, Украина).

Выставка будет открыта до 3 февраля.

Страница мероприятия в Fb: https://fb.me/e/2cS2Hr98w

Автор: Лев Райзман

Запись В муниципальном музее истории открылась выставка «Кишинёв – город тоски» впервые появилась Locals.

Подробное описание резиденций

ЗАЯВКА НА УЧАСТИЕ В ПРОГРАММЕ

Срок подачи заявок: до 31 января 2022 года, 17:00 (GMT +3).

Программа поддерживает месячные резиденции в партнерских организациях сети в 12 странах (Молдова, Украина, Армения, Азербайджан, Беларусь (резиденции проходит в Берлине, Германия), Болгария, Грузия, Казахстан, Кыргызстан, Россия, Таджикистан, Узбекистан (Бухара или Ташкент)) для художников и кураторов, работающих в сферах социально вовлеченного искусства и паблик-арта.

Подать заявку могут художники и кураторы из США, Армении, Азербайджана, Беларуси, Болгарии, Грузии, Казахстана, Кыргызстана, Молдовы, России, Таджикистана, Украины и Узбекистана. Программа резиденций сети АРТ ПРОСПЕКТ предоставляет художникам и кураторам возможность проводить исследования, создавать новые работы и сотрудничать с локальным художественным сообществом в партнерстве с местными художественными организациями. 47 художников и кураторов из постсоветских стран приняли участие в программе резиденций в 2017–2018 годах и 12 художников из США принимают участие в программе в 2021–2022 годах.

В 2022 году программа будет поддерживать резиденции художников и кураторов (до 25 человек) из США, Армении, Азербайджана, Беларуси, Болгарии, Грузии, Казахстана, Кыргызстана, Молдовы, России, Таджикистана, Украины и Узбекистана, уделяя особое внимание обмену и сотрудничеству в области социально вовлеченного искусства и/или паблик-арта. Отобранные по итогам открытого конкурса резиденты будут размещены в резиденциях принимающих организаций в 12 странах сети АРТ ПРОСПЕКТ. Каждый партнер сети организует для резидентов месячную программу с возможностью участия в совместных проектах, например, таких, как паблик-арт фестиваль, образовательные и программы обмена опытом и/или проведение независимого проекта. Участники программы резиденций и принимающие организации будут работают вместе над тем, чтобы определить цели и структуру резиденций на основе их взаимных интересов, потребностей и сильных сторон.

Предпочтение будет отдаваться художникам и кураторам, чьи практики демонстрируют заинтересованность в вовлечении сообществ и решении социальных проблем. Тем не менее, художники, работающие в других областях, также могут подать заявку. Каждая резиденция разработана местными культурными организациями в 12 странах-участницах сети АРТ ПРОСПЕКТ; подробные описания каждой резиденции прилагаются. По итогам открытого конкурса будут выбраны до 25 художников и кураторов (минимум по одному специалисту от каждой страны-участницы). Все расходы, включая проживание, международные поездки, визовую поддержку (при необходимости), мастерскую и производство, а также суточные будут покрываться CEC ArtsLink.

Заинтересованные художники и кураторы могут подать заявку, заполнив прилагаемую форму. Заявки на участие в программе резиденций принимаются до 31 января 17:00 (GMT +3). Месячные резиденции будут проводиться в период с 15 апреля по 31 декабря 2022 года. Отобранные участники Программы резиденций сети АРТ ПРОСПЕКТ будут объявлены до 1 апреля 2022 года.

Заявки следует отправлять на artprospect@cecartslink.org. Заявки можно заполнять на русском или английском языке.

За дополнительной информацией обращайтесь к проектному менеджеру CEC ArtsLink, Лизавете Матвеевой, lmatveeva@cecartslink.org.

Сайт сети АРТ ПРОСПЕКТ — artprospect.org.

РЕКОМЕНДАЦИИ

Заявки от студентов и непрофессиональных художников и кураторов не принимаются.

Критерии отбора:

Все заявки оцениваются независимой междисциплинарной комиссией, состоящей из международных профессионалов в области искусства, на основе следующих критериев:

• Художественное или профессиональное качество работы заявителя;
• Опыт работы в сфере социально вовлеченного искусства и паблик-арта;
• Возможность для заявителя взаимодействовать с сообществом в рамках своей профессиональной практики;
• Возможность для заявителя получить пользу на этом этапе его/ее карьеры от транснационального обмена;
• Планы заявителя по разделению пользы от обмена с художниками и институциями в его/ее родной стране;
• Способность кандидата успешно решать межкультурные вызовы.

Процесс отбора является конкурентным, и кандидаты должны быть готовы к тщательному просмотру своей работы. Пожалуйста, внимательно заполняйте заявку и не забывайте прикладывать примеры своих работ. Заявки, в которых отсутствует какой-либо из необходимых компонентов, рассматриваться не будут.

Примеры работы – важная часть вашей заявки. Из-за ограниченного времени, доступного для экспертной комиссии, вам рекомендуется подготовить хорошо организованную презентацию, которая представит вашу работу в наилучшем свете.

Примеры работ должны быть недавними (не старше 5 лет), предпочтительно проектов, которые технически или концептуально соответствуют вашим планам, предлагаемым для резиденции. Мы понимаем, что опыт каждого художника и куратора может существенно отличаться от того, что он ожидал как соискатель. Успешная резиденция отражает баланс между ожиданиями достижения конкретных целей и открытостью для новых процессов и возможностей для сотрудничества.

Cover photo: BUKHARA DICTIONARY, Antonina Slobodchikova, Belarus, Art Prospect Network Residency 2017. Installation, Bukhara Photo Gallery, Bukhara, Uzbekistan. Photo by Shavkat Boltaev

Запись Художники из Молдовы могут подать заявку на резиденции проекта АРТ ПРОСПЕКТ впервые появилась Locals.

10 декабря 2021 года из жизни ушёл молдавский художник Анатолий Лазарев, ему было 67 лет.

Творчество Анатолия Лазарева отличают индивидуальный характер и глубокая смысловая наполненность работ. При их создании художник применяет как традиционно-реалистичные техники, так и декоративные с использованием различных материалов натурального происхождения.

По словам Анатолия Лазарева, сливаясь с солнечным светом, этот материал дает не только удивительные художественные эффекты, но и несет собой глубокий философский посыл.

«Пшеничная солома удивительным образом отражают солнечный свет, они транслируют энергию земли, энергию космоса. И это свойство придает сюжету картины особую живость и смысл», - говорил художник.

Диапазон тем художника разнообразен — воспоминания детства, бытовые, философские, религиозные и другие мотивы строятся на ассоциативной основе.

Сам художник своими работами стремился «звать зрителя в мир драматического размышления и бытия».

Анатолий Лазарев, родившийся в селе Чобручи Слободзейского района 25 декабря 1953 года, окончил киевскую Академию искусств (Украина) и кишиневскую Школу искусств имени Ильи Репина (Молдова), его работы есть не только в государственных коллекциях Молдовы, Украины и Румынии,но и приобретены частными коллекционерами, живущими в Италии,Испании, Германии, Молдове, России, Румынии и Украине.

Запись Синтез живописи и природных материалов: вклад в молдавское искусство художника Анатолия Лазарева впервые появилась Locals.

Он купил ее на распродаже недвижимости всего за 30$, а ее настоящая стоимость может составить до 50 миллионов долларов. О самом покупателе ничего не известно на данный момент, передает hypebeast.com.

Говорят, что просто купил эту работу, потому что ему понравился старинный стиль этого произведения искусства, которое полностью оправдало его покупку. Работа уже была была признана подлинной различными экспертами, которые являются ведущими авторитетами в области творчества Дюрера.

Картина датируется предположительно 1503 годом. Она была написана в качестве предварительного наброска Дюрера «Богоматери с младенцем с цветком на травянистом берегу». Точную цену эксперты еще не назвали, но обещали ее владельцу компенсацию за несколько лет, которые она пробудет на исследованиях.

Запись Мужчина из США купил картину за 30$, а ее реальная стоимость оказалась около 50 млн долларов впервые появилась Locals.

Французский художник Saype рисует гигантские граффити на природе только при помощи эко-материалов: угля, мела, казеина, пишет ВВС.

Запись Французский художник Saype создал эко-граффити в швейцарских Альпах впервые появилась Locals.

Доказательством того, что покупатель приобрел не просто воздух, а произведение искусства, служит сертификат. Это право собственности на нематериальную скульптуру.

Гарау заявил, что его работа поместится только в частном доме. Чтобы ее поставить, нужно освободить на полу пространство 1,5 × 1,5 метра.

В феврале прошлого года Гарау выставил на площади в Милане свою работу «Будда в созерцании».

«Скульптура полностью невидима и поэтому не может быть воспроизведена в сети и скопирована. Не говоря уже о том, что нематериальные работы Гарау не оказывают никакого воздействия на окружающую среду», — говорилось в аннотации.

Запись Итальянский художник продал за 15 тысяч евро свою невидимую скульптуру впервые появилась Locals.

Письма будут обнародованы на страницах книги историка искусств Виллема-Яна Верлиндена «Сестры Ван Гог». Она выйдет в апреле, пишет Artnet News.

«Сестрам Ван Гога приходилось продавать его картины, чтобы заработать себе на жизнь. Он в некотором смысле обеспечивал их даже спустя долгое время после своей смерти по мере того, как становился все более и более известным, и цены на его картины росли», — цитирует Верлиндена The Guardian.

Издание Верлиндена посвящено жизни трех сестер Винсента: Виллемины, Анны и Элизабет — и основывается на детальном изучении переписки членов семьи выдающегося постимпрессиониста. Речь идет о сотнях писем из архивов Музея Ван Гога в Амстердаме, которые ранее никогда не публиковались.

В книге, в частности, рассказывается о том, что Виллемина, так же как и ее знаменитый брат, имела психические расстройства. В 1902 году ей поставили диагноз “шизофрения” и поместили в психиатрическую больницу в городе Эрмело, на востоке Нидерландов. Там она провела 40 лет, пока не скончалась в 1941-м.

Запись Сестра Ван Гога продала 17 картин художника, чтобы оплатить лечение в психиатрической клинике впервые появилась Locals.

Серия называется «Тулбурел», а всё потому, что в смешанной технике для работы Филиппов использует драгоценное молдавское вино.

Оба визита в Молдову, даже во время локдауна 2020 года, состоялись по приглашению молдавских кинематографистов — режиссёра Валерия Жереги и продюсера Сергея Паскару. Владимир Филиппов приезжал давать мастер-классы в киношколе MILAP (регулярно проходит в Artcor), показать двасовершенно новых украинских полнометражных художественных фильма, смотреть локации для будущих кинопроектов в ко-продукции с Молдовой и даже открыть собственную персональную выставку в Национальном художественном музее РМ при поддержке Министерства культуры, образования и спорта РМ. Кроме Кишинёва Филиппов посещал Старый Оргеев и живописные долины реки Днестр.

Одну из работ для выставки Владимир Филиппов написал уже в Молдове, прямо не выходя из гостиничного номера, используя фракции из бутылки красного вина местного производителя. Она дополнила проект «Informație Terminus» («Конечная информация») в выставочном пространстве кишинёвского музея в ноябре 2020.

А на прощание, режиссёр Валерий Жереги подарил Владимиру Филиппову молодое вино собственного производства. Куратор персональной выставки Филиппова, Лев Райзман, подал идею для названия нового арт-проекта, ведь свежий ферментированный напиток из виноградных ягод молдоване зовут «тулбурелом». Термин очень обрадовал украинского художника, хоть иностранцу его сложно запомнить.

Первые работы с использованием вина из домашнего хранилища Заслуженного артиста РМ Жереги уже представлены на персональной выставке Владимира Филиппова. Она называет 193939 и проходила в Киеве — в Центральном доме художника с 18 февраля по 7 марта.

Запись «Тулбурел»: Украинский художник пишет новые работы молдавским вином впервые появилась Locals.

Нина Арборе (1889 — 1942)

Ученица Вермонта и Матисса, в своём творчестве следовала правилу: «Ненавижу всё вульгарное и грубое, ищу величия и серьёзности классики». Вместе со своими друзьями сформировала так называемую «Grupul celor trei doamne» («Группа трёх женщин») в противовес одному из самых престижных художественных объединений межвоенного периода Румынии - «Grup al celor patru» («Группа четырёх»). Позже они стали основателями «Asociația femeilor pictore și sculptore» («Ассоциации женщин художниц и скульпторов»), при поддержке румынской королевской семьи.

В тридцатые годы Нина создала серию тематических гравюр и иллюстраций для журнала «Cuvântul Liber».

Её имя и работы были включены в серию альбомов в 14 томах «Maeștri basarabeni din secolul XX», один из авторов которых – лауреат Национальной премии Республики Молдова 2015 года, известный молдавский искусствовед Тудор Брага.

Елизавета Ивановская (1910 – 2006)

Всю свою жизнь Ивановская посвятила созданию детских иллюстраций. Её работы были наполнены любовью к ребёнку, поэтому даже страшных, в народе, персонажей, она рисовала добрыми. Во время второй мировой войны Елизавета Ивановская выпустила серию маленьких книг под общим названием «Красное яблочко». В то время она и стала известна как иллюстратор книг для детей Элизабет Ивановска. Художница оформила более 400 детских книг, в том числе и русскую классику – «Две русские сказки», «Жар-птицу» Алексея Толстого, «Маленькие рассказы днём и вечером» Саши Черного.

Её произведения удивительны по использованию разнообразных стилей и техник, цветовых решений и пластических образов. Ивановская создавала эскизы театральных костюмов для бельгийских театров, писала иконы, пейзажи, портреты, декоративные панно.

Валентина Руссу-Чобану (1920 - настоящее время)

Уже в самых ранних работах художницы чувствуется настоящий талант. Заявила она о себе картиной «Приглашение к танцу». С годами полотна Руссу-Чобану обретают выразительность через эластичность цвета и гармонию линий, а портреты открывают психологическую глубину художницы. В историю искусства вошли изображения ярких творческих личностей Молдовы, таких как Аурелий Бусуйок, Эмиль Лотяну, Ион Друцэ и другие. Позже Валентина создаёт более динамичные композиции, а в пейзажах и натюрмортах начинает прослеживаться эстетический вкус: «Вид Крыма», «Кружка», «Пейзаж Гурзуфа», «Вид Боженицы» (Болгария).

Чистота цвета, энергия, яркость – это качества, которые художница использует и реализует на языке современного искусства.

Элеонора Романеску (1926 - 2019)

Романеску родилась и выросла в деревне. Там же она и прониклась любовью к искусству и молдавским пейзажам. В своих работах Романеску сохранила виды наших холмов, сёл, церквей, сельской и городской архитектуры. Художницей были сделаны бесчисленные наброски, портреты и автопортреты, натюрморты, наполненные любовью к Родине и народу Молдовы: «Средневековая башня в Яссах», «Натюрморт с тыквой», «Мама», «Юный Кишинев», «Горожанка», «Сельская архитектура», «Дома в Констанце», «Больничный храм Арджеша», «Холмы в Долне», «Розы» и «В ночь Воскресения». А в 60-ых годах Романеску отреставрировала в монастыре Рэчула несколько икон, которые удалось спасти от огня.

Живопись Элеоноры Романеску источает радость и оптимизм в большинстве картин, они наполнены свежестью, яркостью и живостью.

Мария Сака-Рэчилэ

(1941 - настоящее время)

Мария Сака-Рэчилэ представитель художественного ковроткачества Молдовы, таписерии. В начале 60-х годов XX века у истоков современного молдавского гобелена, при этом у художницы есть и живописные работы среднего формата, выставка которых прошла в 2021 году в честь 80-летия художницы.

Работы художницы принимали участие в групповых выставках в Болгарии, Канаде, Франции, Японии, Польше, США, Швеции, Румынии, России и других странах, многие гобелены находятся в собраниях Национального художественного музея Молдовы, в частных коллекциях Сан-Франциско (США), Торонто (Канада) и многих других.

Евгения Гамбурд (1913 — 1956)

Евгения Гамбурд родилась и прожила свою жизнь в Кишинёве, была женой выдающегося художника Моисея Гамбурда. Самые известные и ценные работы художницы были сделаны в период Великой Отечественной войны: «Восстановление Кишинёва», «Деревенские пейзажи». Она сделала зарисовки осаждённой Москвы, а когда Молдову освободили запечатлела разрушенные молдавские сёла.

Наверное, благодаря личному опыту, пейзажи художницы пронизаны состраданием к покалеченной Родине: разрушенные дома, стены с зияющими окнами, минорный цветовой настрой. Но в нескольких работах 1945 года прослеживается оптимизм, а цветовые контрасты излучают свет.

Гамбурд создавала и эскизы костюмов для танцевального ансамбля и хоровой капеллы «Дойна». В её работах молдавская национальная одежда воссоздаётся в ритме танца, в сюжетных сценках. Сочетание высокой пластической культуры с искренностью и тонкостью чувств – делают работы художницы востребованными и притягательными до сих пор.

Ада Зевина (1918 - 2005)

Зевина занимает особое место в развитии молдавского искусства. Глубокое изучение народного художественного творчества помогло выработать свой собственный, отличительный стиль. Работала в области натюрморта, портретной и пейзажной живописи, создала монографии по истории искусства Молдавии.

В своих работах она использовала изысканную цветовую гармонию и подчёркнутую экспрессивность рисунка. Работы Ады Зевиной стали частью публичных и частных коллекций в Австралии, Болгарии, Канаде, Дании, России, Израиле.

Евдокия Завтур (1953 - 2015)

Ещё студенткой Киевской академии художеств интересовалась акварелью, гравюрой и живописью маслом, но в конечном счёте остановилась на графике. За цикл иллюстраций к книге «Mesterul Manole» художница была удостоена звания «Лучший график Молдовы». Но настоящее международное признание ей принесли иллюстрации, сделанные для книги Лауреата Нобелевской премии Сельмы Лагерлефа «Легенда об Иисусе Христе».

Сначала Завтур не хотела соглашаться на этот заказ, понимая, сколько всего нужно будет нарисовать. Но любовь к творчеству и азарт победили, и за месяц без эскизов мастер сделала 50 листов графики.

Необычайная работоспособность, плодотворная выставочная деятельность принесли Евдокии Завтур заслуженное признание.

Елена Бонтя (1933 - настоящее время)

В самом начале творческого пути художницу привлекали повседневные объекты: сосуды, горшки, вазы, фрукты, цветы, ковры и старинное ткачество. За время своей деятельности Бонтя создала множество тематических композиций: «Декрет о земле», «Маланка – народный театр», «Трагедия Дрэгэнештей», «Радость труда», «Баллада «Миорица» и многие другие.

С 1960 года Елена Бонтя принимает участие в коллективных выставках в стране и за рубежом: Япония, Румыния, Германия, Польша, Монголия, Литва, Беларусь. А персональные выставки художницы проводились в Молдове, Республике Мали и Австрии.

Ольга Орлова (1932 - настоящее время)

Запись 10 великих молдавских художниц, чьи работы хранятся в музеях по всему миру впервые появилась Locals.

В экспозиции выставлены 15 ковров и 34 живописных работы. Выставка продлится до 21 февраля.

Мария Сака-Рэчилэ представитель художественного ковроткачества Молдовы, таписерии. В начале 60-х годов XX века у истоков современного молдавского гобелена стояли Мария Сака-Рэчилэ, Елена Ротару, Кармелия Головинова, Сильвия Врынчану, Андрей Негурэ, Людмила Одайник.

В период с 1975 по 1985 год, ткачество становится одним из самых новаторских жанров изобразительного искусства Молдовы, благодаря экспериментам с технологиями, разнообразию форм и объёмов.

Новые тенденции в искусстве ковроткачества отчётливо проявляются в 90-е годы прошлого века, когда появляются другая специфика в том, что касается раскрытия темы (повествовательное, метафорическое, абстрактное) и форм, которые стремятся к объёмности.

Благодаря контрасту фактур в работах Марии Сака-Рэчилэ создается иллюзия света и движения. Молдавский гобелен 60-80-х годов, прошлого века, который можно увидеть на открывшейся выставке, вызывает бесконечный ряд ассоциаций, чарует глаз красотой естественного материала, богатыми возможностями фактур.

Большая часть выставке представлена среднеформатными живописными работами художницы.

Художницу представил директор музея Тудор Збырня, искусствоведа Константин Спыну, писатель и друг семьи Владимир Бешлягэ. Президент Союза художников Молдовы Думитру Болбочану вручил Марии Сака-Рэчилэ медаль Союза художников Молдовы «Михай Греку» «за продвижение интеллектуальных, художественных и нравственных ценностей».

Мария Сака-Рэчилэ родилась 11 февраля 1941 года в селе Дрэгэнешть уезда Бэлць. Училась в Республиканском художественном училище имени И. Е. Репина в Кишинёве по специальности «Художественный гобелен» (1955-1961).

Работы художницы принимали участие в групповых выставках в Болгарии, Канаде, Франции, Японии, Польше, США, Швеции, Румынии, России и других странах, многие гобелены находятся в собраниях Национального художественного музея Молдовы, в частных коллекциях Сан-Франциско (США), Торонто (Канада), Москвы и др. В 1987 году Мария Сака-Рэчилэ получила почетное звание «Заслуженный деятель искусств Молдавской ССР». В 1996 году Мария Сака-Рэчилэ была награждена медалью «Meritul Civic», а в 1998 году - Национальной премией.

Запись В Национальном художественном музее проходит выставка гобеленов и живописи Марии Сака-Рэчилэ впервые появилась Locals.

Лэйла Вышку — 3D художница из Молдовы, которая последние несколько лет живёт и работает в Новой Зеландии. Ей не было и 18-ти лет, когда она из Кишинёва переехала учиться на 3D художника в Окленд. Сейчас Лэйле 20, но она уже уверенно развивается в этой сфере и, пока, её главным большим успехом является работа в команде над рождественским мультфильмом Диснея. 

Начинала Лэйла с 2D анимации, когда была ещё совсем маленькой. Тогда никто не думал о том, что это всерьёз.

“Я выросла в девятиэтажке, где первый этаж был отдан под анимационную 2D студию. Туда ходила моя старшая сестра, как на курсы, а меня стали отдавать просто так, забавы ради. Это была советская квартира, переобустроенная под студию. Там были столы с подсветкой, куда мы вставляли прозрачную бумагу. Ты рисовал один слой, потом клал другую бумагу, рисовал второй слой и так слой за слоем. Это традиционный стиль, которым пользовались все прородители этой культуры, вроде компании Disney.”

“Мне всё нравилось. Рисовала ужасно, правда. Помню, мне дали лист А3 и карандаш, а учительница смотрела на то, как я буду рисовать прямые линии. Смотрю на неё, смотрю на лист, на неё, на лист. Начинаю рисовать. Это были очень некрасивые прямые линии. Они были кривые, волнистые, кучерявые, какие угодно, только не прямые. А она смотрела больше за тем, как я держу карандаш, чтобы корректировать и помогать набивать руку.” 

3D увлеклась совершенно случайно. Нашла туториалы в Youtube и стала слепо повторять за тем, что видела.

“Начала изучать программу 3D моделирования. Помню, мы были в 6-7 классе и я упомянула это на уроке технологий у Елены Леонидовны, вроде бы даже показала ей какую-то работу. Ей понравилось и она предложила сделать ещё какую-то картинку с кружкой или ручкой. Я начала делать картинки в 3D, относить Елене Леонидовне и показывать. Ей нравилось. Потом мой близкий друг поставил мне 3D программу на школьный компьютер, и на технологиях я занималась 3D.”

Когда поняла, что туториалов для развития недостаточно, стала искать курсы для 3D художников. Увидела, что в Simpals, которые тоже делали свои мультики, не так давно запустили новую  “Школу монстров” и решила подать туда заявку. 

“Я пришла со своим ноутбуком, с дрожащими руками. Что я могу, мне только 15 лет? Захожу с этим ноутбуком к директору компании Волошину, с моими тремя кривослепленными работами, которыми я очень горда. Он посмотрел, сказал: “ну, вроде неплохо”. Спросила о курсах, но оказалось, что они закрыли школу год назад. Не было большого потока людей. Зато получилось договориться о платных уроках с одним из сотрудников Simpals.” 

Школу Лэйла не закончила. Ушла после 9 класса, решив, что хочет развиваться в сфере 3D. Пока искала подходящие университеты, пошла на полную стажировку в Simpals. Там и собрала себе портфолио для поступления.

“Там меня 30-40-летние дядечки взяли под своё крыло. Я их очень люблю. Они стали моей семьёй, вырастили меня и научили всему, что знают. Они — одна из главных причин, почему я работаю в этой сфере и хочу совершенствоваться. Я им посылаю все свои работы. Мне важно, чтобы они знали, что всё было не зря. Я знаю много примеров, когда люди уходили или вылетали из универов, но находили себя в Simpals и оставались там.”

Переезд в Новую Зеландию

Лэйла рассказывает, что пыталась найти университеты поближе, где можно было бы получить диплом в этой специальности, но вариантов оказалось не много. Остановилась на Новой Зеландии из-за старшей сестры, которая несколькими годами ранее улетела туда вместе с мужем и получила гражданство. 

“Раньше так можно было — прилететь и сразу получить гражданство. Сейчас законы ужесточили. Сестра делает ювелирные украшения, выливает свечи и занимается дизайном всевозможных аксессуарных атрибутов для своего бизнеса — WildWagon co. Изначально Кристина начинала свой бизнес, как иллюстратор — делала поздравительные открытки в Новой Зеландии. Большинство дизайнов было вдохновлено молдавским фольклором. Но в итоге она закрыла производство открыток. Здесь культура дарить их с подарками была не так сильно развита, как в Молдове. Они с мужем нашли себе дом, потом нашли себе собаку, а потом нашлась сестра, которая слышала, что в Новой Зеландии есть нужные университеты. Я остановилась на самом дешёвом, показала папе и решили попробовать.”

Тогда она была уверена, что шансы поступить не велики. Ей не было 18-ти лет, да и 12 классов не закончила. 

“Скорее всего, в Европе такое не получилось бы. Но оказалось, что в Новой Зеландии никого особо не волнует, сколько классов ты закончил. В университете посмотрели на мои работы, на то, что мои родители могут финансово меня поддержать и, что в Новой Зеландии у меня есть пригодный для жизни дом.”

Система образования в Новой Зеландии отличается от нашей. Всего в универе девять уровней, где первый — базовый, а девятый — самый высокий, но не обязательный для всех специальностей. Лэйла подала документы сразу на седьмой уровень.  

“Училась я 10 месяцев и закончила уровень, которого достаточно для того, чтобы найти работу. На выпуск университет пригласил специалистов из индустрии, из разных компаний. Мы подготовили на стендах своё резюме с работами и ждали. Ко мне подошёл мужчина и дал свою визитку. Я посмотрела, а там лого компании, которую я уже знала до выпуска. Flux Animation Studio — одна из самых больших анимационных компаний в Окленде. Они сказали, что нанимают сейчас людей, поэтому предложили написать им и отослать резюме.”

“Компания существует уже около 30-ти лет Они начинали тоже с 2D анимаций, с такими же столами, которые были на рышкановке, только у них всё поновее было. Им присылали работу из США или Австралии. Они заработали себе репутацию и часто сотрудничали с Disney. Так у них установились доверительные отношения. А после, когда технологии стали развиваться, она переросла в 3D компанию. Сейчас нас 16 человек, включая менеджеров: 3 из нас 2D аниматоры, а остальные 3D.” 

Первый серьёзный проект: работа с Disney

Первой серьёзной и самой масштабной работой для Лэйлы и компании стал рождественский мультик, который они делали для Disney.

Перед тем как компания получает работу, менеджеры должны её выиграть. Менеджеры Flux смогли добиться того, что идею мультика отдали воплотить им. 

“Disney выбирали между нами и ещё одной большой компанией. В конце 2019 года мы её выиграли и в феврале 2020 приступили к работе. Нам пришлось очень многому учиться на бегу. Это был трёхминутный мультфильм/кампания в поддержку благотворительной акции “Make a wish” в Англии. Процесс создания мультика занял почти 12 месяцев. Обсуждалось всё: как будет выглядеть девочка, какая у неё будет отличительная черта, почему она филиппинка, почему мы, вообще, рассказываем о Рождестве в Филиппинах.”

Мультик основан на реальной истории девушки филиппинки Анджелы, хорошей подруги людей во главе Disney. У неё была история про её бабушку, которую девушка очень хотела воплотить в жизнь. А Disney и Flux ей с этим помогли.

“Мы напрямую с ней работали. Разрабатывали персонажей: как бабушка будет стареть, как у неё будут появляться морщины на лице, как она будет седеть. Под конец у нас было 8 версий бабушки и 8 версий внучки. Я очень многое узнала о Филиппинах за время работы, потому что, невозможно делать какой-то проект, не понимая и не зная того, с чем ты должен работать.”

Лэйла отметила, что, когда мультик вышел, она не плакала над ним, как многие пользователи в сети. Прорабатывание всех деталей и мелочей, в конечном счёте, не вызвало таких же сильных эмоций при просмотре. А вот комментарии и реакции пользователей очень тронули. 

“Меня переполняли эмоции, пока я читала комментарии людей, которые относятся к национальности напрямую: что они плакали, что они скучают по дому, что они не могут провести время с семьёй, потому что отрезаны от них в другой стране. Мультик ещё вышел в такой год, который стал тяжёлым для всего мира. Люди на ютубе снимали реакции на него. Я не могла читать комментарии и смотреть обзоры без слёз. Всё это было не зря. Есть ощущение, что мы сделали что-то, что оставит свой след. Это воодушевляет. В такие моменты понимаю, зачем я решила оставить школу и уехала в другую страну, почему оставила родителей и брата, который уже так вырос.”

Работа над мультиком принесла Лэйле ещё один сюрприз, который порадовал её в 2020 году. Она познакомилась и подружилась с человеком, за работами которого следила с 2015 года. 

“Мне было 15, я только начала интересоваться 3D. Тогда я подписалась в Instagram на бразильца Газа Соареса. Я тащилась от его работ, постоянно лайкала и сохраняла в отдельные папки. Когда мы начали работать над проектом для Дисней, я смотрела его работы. Мой менеджер прошёл мимо, увидел их и попросил скинуть ссылку на Instagram. Недели не прошло и мне менеджеры говорят, что наняли одного бразильца, с котором я буду работать и общаться каждый день. Это был Газ. Он работал с Dreamworks TV, Nickelodeon, у него большие клиенты, поэтому я и не могла мечтать о знакомстве с ним. Теперь мы друзья.”

“Меня вдохновляют вдохновлённые люди”

В Instagram Лэйла выкладывает свои работы, которые не связаны с Flux и официальными проектами. Они сделаны больше для себя, для практики и портфолио. В прошлом году она решила сделать 30-ти дневный челлендж в Instagram — каждый день октября рисовать и выкладывать работу на определённую тематику. 

“Это было трудно, потому что у меня была работа с 9 утра до 18 вечера, потом какие-то другие дела, а после нужно было заставить себя работать ещё минимум часа четыре. Под конец я поняла, что очень сильно подняла свой уровень компетентности. У меня была большая проблема с перфекционизмом. Я никогда не могу назвать свою работу законченной. Такой челлендж помог мне понять, законченная работа — не всегда идеальная, её просто нужно отпустить. Зачастую, количество — побеждает качество. Чем больше работаешь, тем лучше будет становиться твоя работа. Это был мой урок 2020 года — нужно уметь отпускать.” 

Бывает, что за основу для своих работ она берёт 2D рисунки других людей. 

“Есть вебсайты, вроде ArtStation, куда люди выкладывают свои работы. Есть сайты, где я нахожу людей, списываюсь с ними, спрашиваю, можно ли сделать их рисунок в 3D и они с радостью соглашаются. Зачастую они репостят и это мне помогает, потому что больше людей видят мои работы, а значит больше потенциальных работодателей. Я вдохновляюсь людьми из интернета, которые такие же помешанные, как и я. Меня вдохновляют люди, у которых горят глаза. Это не обязательно 3D, 2D или что-то связанное с искусством. Есть люди, которые верят в какую-то идею и держатся за неё. Меня вдохновляют вдохновлённые люди. Масло масляное, но это так.” 

В своём Instagram Лэйла выложила работу по “Унесённым призраками” Хаяо Миядзаки. Она написала, что мультики студии Ghibli оказали на неё огромное влияние. Но упомянула в интервью, что, хоть у Disney и Ghibli разные стили, она не может выбрать одну компанию — они обе значимы для неё. 

“Я выросла на кассетах, на которых мультики были смешаны: был Disney с его легендарными “Король лев”, “Красавица и чудовище”, “Бэмби” и тогда уже стали выходить 3D мультики, вроде Барби. Мы то поколение, которое выросло на границе перелома в этой индустрии. Я могу понять, насколько труден путь и 2D, и 3D аниматоров. Поэтому могу сказать, что 2D анимация всё же более трудозатратная. Когда ты смотришь мультики от студии Ghibli, ты точно знаешь, что каждый бэкраунд, каждый кадр, где капелька росы стекает по листику — огромная работа. Если ты не остановишь кадр и не будешь его рассматривать, ты даже не обратишь внимания на эти детали. Миядзаки прорисовал всё как он видел. И он продолжает это прорисовывать, какой бы по счёту фильм у него не выходил. Внимание к деталям уловимо с каждой секундой, пока мультик на экране. Наверное, это и делает его мультфильмы совершенно другими. Всё сделано вручную. В 3D очень много вещей, которые автоматизированы машинами и просчётом компьютеров. Но это не значит, что работа проще, просто она устроена иначе. Плюс, с развитием технологий 3D анимация с каждым годом становится более дешёвой. Соответственно 2D становится дороже, потому что многие люди уходят из этой индустрии и переучивают себя на 3D — профессию будущего. Я понимала, что киноиндустрия никуда не денется, ещё и поэтому выбрала эту специальность. Думаю, не на моём веку машины заменят креативных людей. Не на моём веку.”

Следить за работами Лэйлы в инстаграме instagram.com/laylaviscu

автор: Валерия Петровская

Запись Лэйла Вышку, 3D художница из Молдовы, которая участвовала в создании мультфильма Disney впервые появилась Locals.

Во время пребывания дома ввиду пандемии вируса COVID-19, Вутер ван дер Веен решил разобрать архивные фотографии коммуны Овер-сюр-Уаз и ее окрестностей, где Ван Гог провел свои последние дни.

Исследователя заинтересовал снимок, сделанный в 1905 году на улице Добиньи: на фотографии запечатлен велосипедист на холме, опутанный корнями деревьев. Снимок оказался похожим на тот, который незадолго до смерти изобразил на своей картине Ван Гог. Исследователь обратился к специалистам из Музея Ван Гог в Амстердаме, которые после проверки сообщили, что скорее всего на открытке запечатлено то же место, что и на полотне.

После смягчения мер карантина, Вутер ван дер Веен отправился к месту, изображенному на открытке, чтобы подтвердить свою теорию. Там он обнаружил, что холм с деревьями находится в 150 метрах от гостиницы Auberge Ravoux, где Ван Гог прожил последние 70 дней своей жизни. Место с открытки ему помогла найти 104-летняя местная жительница.

«Теперь мы знаем, чем он (Ван Гог) занимался в последний день. Он целый день рисовал эту картину», — сказал ван дер Веен. 28 июля в Овер-сюр-Уаз прошла церемония, на которой представили место, где Ван Гог написал «Корни деревьев».

Винсент Ван Гог умер 29 июля 1890 года спустя два дня после того, как получил огнестрельное ранение в грудь. Считается, что художник покончил с собой.

Фото: Музей Ван Гога

Запись Во Франции нашли место, изображенное на последней картине Ван Гога впервые появилась Locals.